Die Grammys

Dec 10, 2023

Foto: Delali Ayevi

Interview

Die Frontfrau der Elektropop-Gruppe beschreibt, wie ihr siebtes Album „Slugs of Love“ die Synergien der Gruppe und den Spaß, den sie seit fast drei Jahrzehnten gemeinsam haben, weiter ausbaut.

Es gibt eine besondere Synergie und Magie, die von Musik ausgeht, die von Menschen gemacht wird, die sich lieben und wirklich kennen. Little Dragon hat dieses Gefühl seit ihrer Jugend manifestiert und erweitert.

Das mitreißende schwedische Dance-Pop-Quartett – Schlagzeuger Erik Bodin, Bassist Fredrik Wallin, Keyboarder Håkan Wirenstarnd und Sängerin Yukimi Nagano – lernten sich an ihrer örtlichen Musikhochschule kennen und gründeten 1996 Little Dragon. Jetzt sind sie zurück mit ihrer Band Siebtes Album, Slugs of Love, und sie haben einfach Spaß.

Die LP folgt auf „New Me, Same Us“ aus dem Jahr 2020, bei dem die Band am besten zusammenarbeitete und an allen Elementen des musikalischen Fortschritts zusammenarbeitete, um die Dinge aufzumischen. Slugs of Love fördert ihren äußerst kollaborativen und experimentellen Impuls, der durch den überschwänglichen, albernen Titeltrack veranschaulicht wird, eine spielerische Meditation über das Wesen der Menschheit.

Ihre kreative Freiheit strahlt durch den Rest von Slugs of Love, wie das sonnenverwöhnte „Disco Dangerous“, dessen funkige Instrumentals eine verträumte Kulisse für Nagano bilden, um schüchtern „Niemals!“ auszurufen. sich zu verlieben. Der darauffolgende Titel „Lily’s Call“ zeigt eine andere Seite von Little Dragon, eine düstere und treibende Nummer, deren Instrumental in einen Blade Runner-Soundtrack passen könnte. In „Slugs of Love“ treffen sie auch wieder auf Damon Albarn – mit dem sie 2010 zum ersten Mal am „Plastic Beach“ der Gorillaz zusammengearbeitet haben – für das trippige, schimmernde „Glow“.

„Wir sind wirklich dankbar, dass wir überhaupt keine Kompromisse eingehen müssen“, sagt Nagano gegenüber GRAMMY.com. „Wir machen das, was wir lieben, und es gibt Menschen, die Spaß daran haben.“

GRAMMY.com traf sich mit der Frontfrau von Little Dragon, um über das lebhafte neue Album der Gruppe, ihre Langlebigkeit als Band, die Wiedervereinigung mit Damon Albarn und mehr zu sprechen.

Als ich „Slugs of Love“ zum ersten Mal hörte, war ich besessen und hörte es mir immer wieder an. Ich liebe es, wie euphorisch und absurd es ist. Was hat es inspiriert und wie ist der Track entstanden?

Der Track wurde zunächst nur als Demo-Beat geschrieben und hatte von Anfang an diese ansteckende Energie, ganz ohne Gesang und Melodien, und er hat mich einfach wirklich gepackt. Die Jungs schreiben immer sehr zufällige Titel für Demo-Tracks, weil man ihnen einen Namen geben muss, aber dieser Titel hat mir sehr gut gefallen. Und manchmal lässt man sich von einem seltsamen Blickwinkel inspirieren, und der Demotitel zusammen mit der Musik gab mir dieses Bild, zu dem ich schreiben konnte. Ich habe mir dieses Bild im Kopf ausgemalt: Menschen sind wie Schnecken, die an der Wand herumkriechen, und alle werden immer besessener und fauler, aber letztendlich brauchen und wollen alle das Gleiche – einfach nur geliebt und sicher sein.

Es dauerte produktionstechnisch einige Umdrehungen. Wir haben versucht, es live zu spielen und sind dann irgendwie wieder in die Demo-Atmosphäre zurückgekehrt. Das fühlt sich manchmal so an, als würde man einen Rückschritt machen, weil man zu viel ausprobiert und nichts funktioniert, aber dann merkt man, dass die Stimmung in den ursprünglichen Ideen steckte.

Da Sie „Slugs of Love“ als Titeltrack des Albums gewählt haben, inwiefern hat es Ihrer Meinung nach den Rest des Albums angesprochen oder den Ton dafür vorgegeben?

Es ist einfach ein lustiges Bild, also spielen wir damit. Unsere erste Idee war, dass wir eine Trilogie [aus] Alben machen wollten. Wir wollten eines machen, das nur romantische Lieder enthält, eines mit Tanzliedern und eines mit trippiger Waldmusik. Am Ende haben wir uns entschieden, einfach ein altmodisches Album zu machen, weil es sehr kompliziert wurde.

„Slugs of Love“ stach sowohl als Titel als auch als Titel hervor und schien irgendwie repräsentativ für den gesamten Prozess und diese Zeit des Musikmachens zu sein. Es fühlte sich an, als wäre es auch etwas Neues für uns. [Unsere Musik] ist sehr intuitiv, wenn wir sie schreiben, was auch immer sich in unserem Bauch gut anfühlt, und dann lassen wir Journalisten und die Leute beschreiben, was es bedeutet.

Sie haben gesagt, dass Ihr letztes Album „New Me, Same Us“ Ihr kollaborativstes Album war und Sie auf eine neue Art und Weise zusammengearbeitet haben. Wie war Ihr Ansatz zur Herstellung von „Slugs of Love“ im Vergleich oder anders oder baute darauf auf?

Nun ja, für uns ist das alles in gewisser Weise nur eine lange, lineare Geschichte, sodass wir mehr Erfahrung miteinander und mehr Verständnis füreinander sammeln. Manchmal muss man auch die Vorstellungen, die man voneinander hat, über Bord werfen – so wie man es bei einer Familie macht, bei der immer jemand die kleine Schwester ist.

Manchmal müssen wir einfach versuchen, ein leeres Blatt Papier zu haben und uns nicht zu sehr auf die Charaktere einzulassen, die wir geschaffen haben. Es entwickelt sich also ständig weiter und jeder möchte wirklich zusammenarbeiten. Ich denke, wir alle haben das Gefühl, dass es ein sinnvoller Prozess ist, auch wenn es manchmal wirklich schwierig ist. Jeder ist in verschiedenen Bereichen des kreativen Prozesses ziemlich willensstark, sodass es kompliziert werden kann.

Wenn du auf der Bühne stehst, bist du ganz im Moment und deine Gefühle sind so groß, aber wenn du dir die Show ansiehst, bist du so entspannt und einfach bereit, es in dich aufzunehmen. Und ich denke Diese Art von Gefühl [existiert] im Prozess des Musikmachens und in der Beziehung zu uns selbst. Manchmal ist es so ernst, es ist wie der Mittelpunkt des Universums – aber am Ende des Tages ist es nur Musik. Wir können uns in ein kleines Detail vertiefen, aber eigentlich wollen wir einfach nur Freunde sein und Spaß haben.

Wenn man in einer Band ist, hat man die unterschiedlichen Perspektiven des anderen. Ich denke, es wäre anders, wenn es nur ein Künstler im eigenen Kopf wäre, der sein eigenes neurotisches Selbst wäre. Wir sind vier neurotische Egos, die sich gegenseitig die Köpfe stoßen, also bekommen wir eine kleine Perspektive.

Ich liebe die Kombination der funkigen, flockigen, glitzernden Instrumentalstücke auf „Disco Dangerous“ mit der Art von Anti-Liebes-Liebesliedtexten und dem „Niemals!“-Geräusch. unterlässt. Was war der Auslöser für diesen Track?

Der Track hat einfach Spaß gemacht. [Wir waren einfach] albern, hatten Spaß und genossen das Schreiben von Musik. Wir lieben Musik, die diese Verspieltheit ausstrahlt, und ich denke, das kommt in diesem Titel zum Ausdruck. Vor allem aber hatten wir einfach viel Spaß dabei, also bin ich froh, dass es geklappt hat.

Und wie haben sich die Instrumentals von der Demo zu dem entwickelt, was sie jetzt sind?

Es begann mit einer ziemlich einfachen Schicht aus Bass und Schlagzeug. Dann habe ich einen kleinen Teil geschrieben und dann kamen weitere Dinge hinzu und ich habe noch ein bisschen mehr geschrieben. Wir waren uns bei diesem Lied nicht sicher. Manchmal möchte man einen guten Song schreiben und manchmal möchte man einfach nur Spaß haben.

Es macht Spaß zu wissen, dass man das Zeug auch veröffentlichen kann, ohne dass man sich allzu sehr darum kümmert. Ich denke, wir können alle zu sehr in dem Drang stecken bleiben, etwas Besonderes schaffen zu wollen und uns in Gedanken zu verfangen, die dem Prozess eigentlich nicht wirklich helfen.

Sie haben sich bei dem schimmernden „Glow“ wieder mit Damon Albarn zusammengetan – wie hat die Zusammenarbeit mit ihm den Track inspiriert oder verändert?

Wir haben es einfach mal ausprobiert, um zu sehen, ob ihm das Lied gefällt, und das stimmte auch. Was uns an Damons Beitrag wirklich gefiel, war seine sehr nachlässige Art und Weise, die wir wirklich inspirierend fanden.

Wenn wir mit Menschen zusammenarbeiten, gehen wir ein wenig auf Zehenspitzen und fragen uns: „Okay, funktioniert das für Sie? Ist das in Ordnung?“ Und er kam herein und zerhackte es und fügte eine Menge neuer Harmonien und einen ganz neuen Teil hinzu. Ich denke, es passt wirklich gut.

Als ich mir das Lied anhörte, waren die Bilder, die ich bekam, sehr psychedelisch; Du bist in der Wüste und dann im Wasser. Und als seine Rolle kam, begann ich, diese großen Statuen zu sehen. Die Musik, der Gesang und alles andere, was er hinzufügte, fühlte sich wie eine völlig neue Szenerie an, was ich wirklich erfrischend fand. Es war inspirierend zu erkennen, dass man nicht so vorsichtig sein muss.

Was haben Sie gelernt, als Sie 2010 mit ihm auf der Gorillaz's Escape to Plastic Beach Tour auf Tour waren?

Das ganze Erlebnis hinterließ einen wirklich großen Eindruck, weil es auf der Tour eine so große Mischung an Künstlern gab. Fred und ich teilten uns einen Tourbus mit Bobby Womack. De La Sol war auch auf der Tournee, zusammen mit einer ganzen Hornband und einem syrischen Orchester. Es gab vielleicht acht oder neun Tourbusse – es war verrückt, wie ein Festival auf Tour. Es war so eine schöne Zeit und viele schöne Erinnerungen.

Wir bereisten die USA, Großbritannien und Australien, es waren also gute drei Monate. Das Inspirierende war, Damon auf der Bühne zu sehen, wie er alles gab, und wie er all die verschiedenen Künstler zusammenbrachte. Es sind viele Freundschaften entstanden, die noch immer bestehen.

Apropos Auftritte: Sie alle bringen so viel Energie und Freude in Live-Shows ein. Wie fühlt es sich für dich und die Band an, wenn ihr auf der Bühne steht?

Das ist wahrscheinlich der Hauptgrund, warum wir uns zueinander hingezogen fühlten, weil wir uns gegenseitig als Musiker bewunderten. Es fühlt sich an, als wären wir alle zusammen in unserem Element und es fühlt sich natürlich an, weil wir das schon so lange machen. Wir kennen musikalisch die Sprache des anderen und wissen, wie man miteinander kommuniziert. Das ist so etwas Besonderes.

Erst wenn man mit Leuten spielt, merkt man, dass man deren musikalische Sprache nicht in gleicher Weise kennt. Es ist etwas, das wir schätzen. Natürlich gibt es gute und schlechte Shows, aber die Jungs beeindrucken mich auf der Bühne trotzdem mit ihrer Spielweise, weil wir viel improvisieren und versuchen, etwas daraus zu machen. Jede Show ist anders.

Ist es Ihnen wichtig, auf der Bühne Abwechslung zu schaffen, um sich nicht zu langweilen, oder um das Publikum zu unterhalten, oder ein bisschen von beidem?

Ich denke, es ist eine Art Stolz eines Musikers. Wir lieben auch die Jazzphilosophie der Musik. Ich schätze, es langweilt uns, wenn wir Bands sehen und sie einen Backingtrack haben. Ich denke, da zeigt sich, dass wir zuerst Musiker sind und dann eine Band geworden sind. Wir waren alle Session-Musiker, und beim Spielen herrschten zwischen uns diese Schwingungen, und das hat uns dazu gebracht, gemeinsam Musik zu schreiben. Dort fing es an. Es erinnert uns an den Kern dessen, was wir gemeinsam auf der Bühne stehen.

Was bringt es Ihnen, Ihre Musik persönlich zu teilen? Ich bin mir sicher, dass es eine Sache ist, nette Kommentare von Leuten online zu bekommen, aber es muss etwas sein, dass die Leute bei deinen Songs ausflippen.

Es ist das beste Gefühl. Ich meine, wir haben nicht immer [ein engagiertes Publikum]. Jede Band weiß, dass Support-Shows das Rückgrat stärken, weil man fast für sich selbst spielen muss. Wir haben also Shows, die großartig sind, und Shows, die weniger gut sind. Jede Show hat ihre Wendungen, aber wenn die Sterne übereinstimmen, ist es ziemlich erstaunlich.

Es kann Momente geben, in denen man den Überblick über sich selbst verliert und das Gefühl hat, dass die Kommunikation zwischen der Band einfach so gut fließt – man hat fast das Gefühl, dass sie auch mit dem Publikum hin und her fließt. Es macht tatsächlich ein bisschen süchtig, dieses Gefühl, diese Energie von einer Menschenmenge zu bekommen. Manchmal gibt es ein paar Leute, die so viel geben, tanzen und so viel Energie geben, dass es uns nur antreibt.

„Ritual Union“ war ein so großer Titel, als er 2011 herauskam. Wie fühlten sich der Erfolg und die Begeisterung, die Sie damals erlebten, für die Band damals an?

Ich glaube nicht, dass es sich für uns unbedingt wie ein Höhepunkt oder so anfühlte, denn wir hatten immer das Gefühl, an einer Art Abgrund zu stehen. Aber jetzt sind wir dankbar dafür. Erst im letzten Sommer, als wir Shows in San Francisco gaben, erkannte ich Hardcore-Fans von vor 10 Jahren, die immer noch an die Front kommen.

Wir waren damals so viel auf Tour, dass wir nach Ritual Union fast erschöpft waren. Wir brauchten eine richtige Pause. Wenn man als Band das Gefühl hat, auf dem Vormarsch zu sein, hat man das Gefühl, dass man dieses Ding direkt vor sich packen muss, aber es bewegt sich weiter vorwärts – man rennt einfach nichts hinterher.

Wir mussten innehalten und sagen: „Okay, du kannst andere Dinge priorisieren und zu Shows Nein sagen.“ Wir mussten solche Dinge lernen, weil man das FOMO-Gefühl bekommen kann, als ob, wenn man es nicht packt, jemand anderes es nehmen wird und man es verpassen wird.

In der Industrie herrscht das Gefühl, dass es so viel Konkurrenz gibt, dass es nie wieder kommen wird, wenn man sie jetzt nicht annimmt. Es gibt so viel Angst und Druck in der Branche, dass eine Band zu sehr unter Druck geraten kann. Es war eine sehr intensive Zeit nach Ritual Union. Aber wir bekamen viel Liebe und waren fleißig auf Tour.

Was kam nach dieser Pause? Wie war das denn: „Deshalb sind wir eine Band“ oder „Das ist es, worauf wir uns eigentlich konzentrieren“?

Wir haben immer noch unser Studio und wir gehen fast jeden Tag dorthin. Die Leute vermieten Studios für viel Geld, und wir haben ein schönes selbstgebautes, eine Wohnung, die wir zu einem Studio umgebaut haben. Dadurch können wir einen Song wie „Disco Dangerous“ machen und im Studio albern sein. Es ist so ein Segen, das veröffentlichen zu können und zu wissen, dass die Leute es tatsächlich hören und dazu tanzen wollen.

Wir sind wirklich dankbar, dass wir überhaupt keine Kompromisse eingehen müssen. Wir machen das, was wir lieben, und es gibt Menschen, die Spaß daran haben. Das ist es, was jeder Künstler tun möchte, und nicht ausverkauft sein zu müssen.

Fühlen Sie sich mit der Musikszene in Göteborg verbunden oder von ihr inspiriert?

Wir haben unsere Blase im Studio. Der Aufbau besteht aus vier Studios in einem Raum, sodass wir in diesem kollektiven Raum definitiv voneinander abprallen. In einer Traumwelt wäre es ein ganzes Gebäude und jede Menge Bands, das wäre ziemlich großartig.

Ich habe gelesen, dass es nach Großbritannien und den USA tatsächlich einige Zeit gedauert hat, bis sich die Band in Schweden durchgesetzt hat. Wann kam die Anerkennung in ihrem Heimatland endlich zustande?

Ich habe das Gefühl, dass es hier immer noch ziemlich langsam ist. Wir werden diesen Herbst eine Show in Göteborg und Stockholm machen, es ist definitiv gewachsen. Wir haben hier während COVID ein paar Dinge getan; Wir waren eine Hausband für eine wirklich große schwedische TV-Show. Das hat wahrscheinlich einige Leute darauf aufmerksam gemacht, aber ich habe das Gefühl, dass es immer noch wächst.

Wir haben auch nicht wirklich viel Zeit investiert, um hier zu spielen. Einige Bands touren durch ganz Schweden und spielen in allen Kleinstädten, aber das haben wir noch nicht wirklich gemacht. Man kann sich nicht wirklich beschweren, wenn man hier nicht wirklich viel getourt und promotet hat. Wir müssen wahrscheinlich mehr Shows in Schweden spielen. Unser erstes Plattenlabel [Peacefrog] war in Großbritannien. Ich weiß nicht, ob das etwas damit zu tun hat, aber sie haben sich definitiv nicht wirklich auf Schweden konzentriert.

Wie stellt man als Band sicher, dass man nach so langer Zeit immer noch Spaß daran hat, gemeinsam Musik zu machen und sich kreativ auszutauschen?

Meistens ist es ziemlich einfach. Ich meine, es wird nicht immer eine gute Stimmung sein, aber da wir fast jeden Tag ins Studio gehen, wird man irgendwann fließen, auch wenn es einige Zeit dauern kann. Nach dem Sommer brauchst du ein bisschen Zeit, um dich aufzuwärmen, und du wirst deinen Lieblingssong nicht unbedingt am ersten Tag schreiben, an dem du ankommst. Du musst einfach mit ihm fließen.

Ich denke, jeden Tag im Studio zu sein und zusammen zu sein, bringt Dinge in Bewegung. Aber wie macht es Spaß? Ich denke, wir haben einfach Spaß zusammen und müssen es meistens gar nicht erst versuchen.

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Foto: Santiago Felipe/Getty Images für ABA

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Das zweite Wochenende von Coachella 2023 war voller Drama und Intrigen und endete mit überraschenden Headliner-Sets von Blink-182 und dem DJ-Trio Skrillex, Four Tet & Fred Again. Lesen Sie weiter für die größten Momente und aufregenden Überraschungen des Wochenendes.

Coachella 2023 ist nun zu Ende. Das zweite Wochenende des Mega-Festivals in Südkalifornien endete mit einer weiteren Reihe maßgeschneiderter Auftritte, die den Ruf der Veranstaltung als Ort, an dem legendäre Momente zur Geschichte werden, weiter festigten.

Das zweite Wochenende war voller Drama und Intrigen, angeführt von der verletzungsbedingten Streichung von Frank Ocean in letzter Minute aus der Sonntagsaufstellung. Die Fans waren nach seinem kontroversen Auftritt am ersten Wochenende bereits in Aufregung, während die Organisatoren schnell daran arbeiteten, sein Headliner-Set zu ersetzen. Die Ergebnisse waren erstklassig und der Abschluss von Coachella war sehr energisch und feierlich.

Infolgedessen erhielten Blink-182, die am Freitagnachmittag des ersten Wochenendes ein Überraschungsset hatten, am Sonntagabend einen Hauptbühnenplatz, gefolgt von einem noch bekanntzugebenden Auftritt.

Der mysteriöse Akt blieb jedoch nicht lange geheim. Als Headliner am Sonntag wurde bekannt, dass es sich um das Supergroup-DJ-Trio Skrillex, Four Tet und Fred Again handelte, die sich in ihrer kurzen gemeinsamen Zeit als Musiker zu einem der gefragtesten Acts der Welt entwickelt haben. (So ​​sehr, dass das Madison Square Garden bereits zwei Minuten nach der Ankündigung der Show ausverkauft war.)

Über das sonntägliche Gerangel hinaus brachte das zweite Wochenende von Coachella 2023 im Großen und Ganzen die gleiche Aufregung wie die Vorwoche – vollgestopft mit mehr herausragenden Sets, als selbst der erfahrenste Festivalbesucher miterleben konnte. Nachfolgend können Sie sieben Sets noch einmal erleben, die Coachellas Herrschaft als eines der beliebtesten Festivals der Welt veranschaulichen.

Die britische Alternative-Rock-Band verfügt nur über das Material eines selbstbetitelten Albums, mit dem sie fleißig rund um den Globus getourt ist. Und doch gelang es ihnen, ihrem zweiten Coachella-Set ein Gefühl von Eifer und authentischer Spannung zu verleihen.

Rhian Teasdale und Hester Chambers von Wet Leg sind ein Beispiel für diese Energie. Während des gesamten Auftritts tauschten sie aufgeregte Blicke aus und ließen hin und wieder den Liedtext fallen, um zu lachen. Ein anderes Mal führten sie die Menge zu einem epischen Schrei an, nur um der Sache willen. Dave Grohl tauchte sogar auf, um mit ihnen zu schreien.

Der Höhepunkt des Auftritts auf der Mojave-Bühne am Freitagnachmittag war „Chaise Longue“, der fröhliche Rock'n'Roll-Song, der der Gruppe einen GRAMMY 2022 für die beste Alternative-Performance einbrachte. Als Teasdale „Entschuldigung“ fragte, schrie die Menge zurück: „Was?!“ mit aller Kraft. Dann ertönte die rasante Gitarre, und jeder in der Menge verstand, dass die Aufgabe darin bestand, zu tanzen.

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Gorillaz traten zuletzt 2010 als Sonntags-Headliner beim Coachella auf und brachten Headliner-Energie in den vorletzten Auftritt am Freitagabend. Wenn es um besondere Gäste geht – eine Coachella-Tradition, die bereits in der Musik der Gorillaz verankert ist – legte die Gruppe noch einen drauf.

Beim dritten Song stand die LA-Alternative-Legende Beck auf der Bühne, um seinen Beitrag zu „Valley of the Pagans“ aus Gorillaz‘ 2020-Album „Song Machine, Season One: Strange Timez“ zu singen. Von da an enthielt mehr als die Hälfte des 17 Songs umfassenden Sets einen Gast.

Thundercat kam für seinen Beitrag zum Titelsong von Gorillaz‘ neuestem Album „Cracker Island“ hinzu, Little Simz spielte „Garage Palace“ aus dem 2017er Album „Humanz“ und Yasiin Bey, früher bekannt als Mos Def, schloss sich Gorillaz zusammen mit dem Hypnotic Brass Ensemble für „Sweepstakes“ an. aus Plastic Beach aus dem Jahr 2010. Wenige Minuten vor seinem eigenen Headliner-Set erschien Bad Bunny in einer Maske, um „Tormenta“, seinen Auftritt auf Cracker Island, aufzuführen.

Eine IRL Bad Bunny-Kollaboration war vielleicht der ultimative Überraschungsgast-Coup de Grace, aber Gorillaz waren noch nicht fertig. In einem rührenden Moment der Einigkeit zollten Gorillaz ihrem verstorbenen Partner David Jolicoeur Tribut, nachdem die überlebenden Mitglieder von De La Soul gemeinsam mit Gorillaz „Feel Good, Inc.“ aufführten.

Wenn Eric Prydz sich entschieden hätte, einfach nur ein DJ-Set zu spielen, hätte er wahrscheinlich immer noch einen der Top-Booking-Slots des Festivals ergattert; Stattdessen brachte er seine HOLO-Show nach Indio.

Diese einzigartige Live-Produktion ist in der weltweiten Tanzmusikszene dafür bekannt, dass sie die Grenzen des Visuellen im Live-Bereich verschiebt. Es gibt Hunderte von Videos im Internet, die seine Epizität ankündigen, aber diese Videos sind nicht mit einem persönlichen Erlebnis vergleichbar.

Prydz‘ Abschlussset im Outdoor Theatre am Samstagabend sollte um 22:20 Uhr beginnen, aber als die Zeit verging, blieben die Bildschirme dunkel. Ein scharfes Ohr konnte jedoch erkennen, dass die Szene tatsächlich begonnen hatte; Eine subtile Linie ertönte aus den Lautsprechern und wurde 20 Minuten lang immer lauter und in ihrer Wiederholung immer länger.

Um 10:40 Uhr erschien eine riesige mechanische Hand auf der Leinwand, als würde sie ins Publikum schweben. Mit einem iPhone zwischen seinen Transformers-ähnlichen Fingern machte die Hand Fotos, während sich ein Schwall elektronischer Musik zu bilden begann. Als die Hand dann das Telefon umdrehte, um ein Bild des Publikums auf dem Bildschirm anzuzeigen, nahm der erste Titel des Sets seine volle Form an und eine Flutwelle von Energie wurde aus der Menge freigesetzt.

Für den Rest des Sets wurde jedes neue Lied von einer immer beeindruckenderen audiovisuellen Kreation begleitet. Auf einem Bild war Prydz selbst in einem Raumanzug zu sehen. Bei einem anderen handelte es sich um ein Team von Raumfahrern, die mit Laserpistolen auf die Menge feuerten. Es fühlte sich so real an, dass sich wahrscheinlich jemand duckte, um den virtuellen Projektilen auszuweichen.

Coachella ist ein Festival, bei dem die meisten Künstler gerne viel machen, aber Christine & The Queens haben gezeigt, dass man mit wenig viel erreichen kann.

Die Produktion während des sonntäglichen Sonnenuntergangs im Mojave war minimalistisch: zwei separate Plattformen auf der Bühne, eine für Christine und ihre dreiköpfige Band, die andere offen zur Nutzung. Wie ihr Bühnenaufbau ist auch die Musik von Christine & The Queens im Allgemeinen minimalistisch – obwohl Christine nicht viel braucht, um ihr Publikum vollständig zu begeistern.

Die Songs begannen ruhiger, was durch die Verwendung der Alt-Rock-Ballade „By The Way“ der Red Hot Chili Peppers als Übergang zu ihrem Hit „Tilted“ veranschaulicht wird. Während sich dieser gleichmäßige und einfache Schlag fortbewegte, nahm die Intensität nur noch zu. Christine warf ihren Körper herum und landete schließlich auf dem Boden, auf der Plattform, während sie mit ihren Ständchentönen jede Note auf den Punkt brachte.

Abgesehen von ihrem beruhigenden und dennoch kraftvollen Gesang und ihrer faszinierenden Bühnenpräsenz war Christine ebenso eine Predigerin wie eine Musikerin. Sie lehnte den patriarchalischen Kapitalismus ab und war fest davon überzeugt, dass Musik die beste Waffe dagegen ist.

„Du wirst nicht aufgeben!“ „, schrie sie, als ihr Schlagzeuger ein schnelles Solo hinlegte.

Als die Indie-Supergroup am Samstagabend in völliger Dunkelheit die Outdoor-Bühne zum ersten Set betrat, waren alle bereit und bereit, alles zu spüren. Damit begann die Musiktherapiesitzung, die Boygenius‘ Coachella-Auftritt darstellte, als die Mitglieder Phoebe Bridgers, Lucy Dacus und Julien Baker gemeinsam die ersten paar Zeilen von „Without You Without Them“ auf einem einzigen Mikrofon sangen.

„Ich möchte deine Geschichte hören und ein Teil davon sein“, sang das Trio – ihre Botschaft war ein Aufruf an alle in Hörweite, vom Publikum bis zu den Sicherheitsleuten und Produktionsmitarbeitern.

Obwohl die Menschenmenge nicht die größte war, die die Freiluftbühne das ganze Wochenende über erleben würde, bot die Umgebung viel Platz für das Publikum, um sich unter den Sternen aufhalten zu können. Als die Band dann die verschiedenen Stimmungen auf ihrem Debütalbum, der Platte, durchging, reagierte das Publikum gleichermaßen auf ihre Energie.

Als das Trio Songs wie „$20“ und „Satanist“ rockte, war die Energie hoch und lebhaft, als jeder die überwältigenden Rufe von Bridgers hörte, bevor er mit seinen eigenen zurückkam. Als dann die Lautstärke für die rohe, ungefilterte Ehrlichkeit in Songs wie „True Blue“ und „Emily I'm Sorry“ heruntergefahren wurde, begannen die Leute, die zuvor geschrien hatten, sanft zu schwanken, murmelten Wort für Wort die Texte vor sich hin und erlebten sie Auf einem persönlichen Level.

Islands eigene Björk trat zuletzt 2007 beim Coachella auf, als sie am Freitag als Headlinerin auftrat. Für ihr erstes Coachella-Set seit über 15 Jahren kehrte die Künstlerin mit einem kompletten Orchester zurück, das originelle Interpretationen ihrer früheren Werke aufführte.

Unterstützt vom Hollywood String Ensemble und unter der Leitung seines isländischen Landsmanns Bjarni Frímann wurden angenehme Indie-Songs wie „Aurora“ und „Come To Me“ zu Opernepen. Das Orchester ermöglichte es ihr, „Freefall“, einen Song aus ihrem neuesten Album „Fossora“ aus dem Jahr 2022, präzise und prägnant wiederzugeben, das Orchesterkomposition mit alternativer Produktion verbindet.

Zum Abschluss des Sets begab sich Björk auf eine Erkundung des Orchester-Techno, während das Hollywood String Ensemble ihr Industrial-Meisterwerk „Pluto“ neu arrangierte.

Optisch erfüllte Björk die Erwartungen auf allen Ebenen. Ihr Kleid erinnerte an ein Spinnennetz, mit Federn, die sich im Klebstoff verfangen hatten, als würden mehrere Vögel im genau richtigen Winkel hindurchfliegen. Über der Bühne reagierte eine Drohnenshow aus der Luft auf ihre Stimme, als würden ihre Töne buchstäblich den Himmel erreichen.

Skrillex, Four Tet und Fred Again retteten den Tag und erreichten mit ihrem Last-Minute-Headliner-Set epische Ausmaße. Das DJ-Trio trat rundherum auf der Satellitenbühne auf, während zusätzliche Lautsprecher aufgestellt wurden, damit die Fans in allen Bereichen des Stadions in ihren elektronischen Klängen baden konnten.

Ihr Set war einfach eine reine Party, komplett mit Leuchtstäben, die bei verschiedenen Drops in die Luft flogen. Wenn sie dann fielen, plünderten andere Leute das Feld und hoben sie auf, damit sie sie beim nächsten großen Abwurf werfen konnten.

Bei anderen Auftritten wie MSG, bei denen sie allein auftraten, hatte das Trio bis zu fünf Stunden Zeit, um die gewünschte Musik zu erkunden. Dieses Mal hatten sie weniger als zwei und füllten das Set mit so vielen Krachern wie möglich.

Einige Beispiele waren der kratzende Dubstep-Track „COUNTRY RIDDIM“ des aufstrebenden Dubstep-Produzenten HOL!, „RATATA“, ein Breakbeat-Song, der von einem Gesangsfeature von Missy Elliott unterstützt wird, und sogar „Party In The USA“ von Miley Cyrus.

Aber der Kitt, der das Set zusammenhielt, waren die dröhnenden Basstöne des britischen Grime-Rappers Flowdan. Das neue Trio hat aus der massiven Zusammenarbeit mit Skrillex und Fred Agan neue Versionen seines Hooks „Rumble“ gemacht.

7 umwerfende Sets vom Coachella 2023-Wochenende 1: BLACKPINK, Bad Bunny, Blink-182 und mehr

Foto: Joshua Atkins

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Erleben Sie das erste Wochenende des 10-tägigen All Points East Festivals in London noch einmal mit einem Rückblick auf sieben seiner fantastischen Sets, vom Headliner-Spektakel bis zum kleineren Zeltauftritt.

All Points East, Londons 10-tägiges Musikfestival und Community-Spektakel im Victoria Park, begann am vergangenen Wochenende und bescherte musikhungrigen Londonern etwas Outdoor-Feeling, bevor die Sonne mit dem Ende des Sommers hinter den Wolken verschwindet.

Gorillaz hatten am ersten Freitag des Festivals den Headliner-Slot und eröffneten die Veranstaltung zusammen mit vielfältigen und beeindruckenden Acts wie Turnstile und Yves Tumor. Am Samstag, den 20. August, schloss sich APE mit Field Day zusammen, einer Tanzmusikfeier, die seit 2007 erfolgreich stattfindet, um elektronische Idole wie die Chemical Brothers und Kraftwerk sowie namhafte DJs wie Peggy Gou und Denis Sulta zu begrüßen.

All Points East geht von Donnerstag bis Sonntag, den 28. August, mit Künstlern wie Tame Impala, Nick Cave, The National und Disclosure weiter. GRAMMY.com nahm am ersten Wochenende von APE teil; Lesen Sie weiter für einige der schönsten Momente und was Sie vom zweiten Wochenende erwarten können.

Tom Jenkinson – besser bekannt für sein unberechenbares und exzentrisches elektronisches Musikprojekt Squarepusher – bewohnte die Zelt-Nordbühne für einen Live-Auftritt während des Field Day. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums Feed Me Weird Things im Jahr 1996 auf Warp ist er immer noch stark und pflegt und pflegt das Genre der intelligenten Tanzmusik (IDM) mit einer unersättlichen Einstellung.

Während es schwierig erscheinen mag, zu Jenkinsons rasanten und zufällig schlagenden Breakbeats zu tanzen, bewies er, dass es mit Schlangenmenschenbewegungen auf der Bühne möglich ist. Es spielte keine Rolle, dass Jenkinson einen sechssaitigen Bass um seine Brust trug; Er fand Zeit zum Tanzen, während die nervös blinkenden Stroboskoplichter in Schnelligkeit und Intensität zur Musik passten.

Der Kalifornier Remi Wolf fing am Freitagnachmittag die gesamte Bandbreite der Emotionen des Publikums ein. Sie durchlebte die glückselige Gleichgültigkeit der Jugend mit dem Sublime-artigen Alt-Rock-Song „Liquor Store“ und gelangte mit der Hip-Hop-Seele von „Sexy Villain“ in die wilde weibliche Ermächtigung. Beide Songs stammen von ihrer LP Juno aus dem Jahr 2021.

An einer Stelle fragte sie die Menge, ob sie sich jemals wie knallharte Kerle gefühlt hätten, bevor sie im nächsten Atemzug fragte, ob sie sich wie weinerliche Kerle fühlten. Beide Anfragen erhielten überschwänglichen Jubel. Der Höhepunkt kam jedoch mit ihrer Coverversion von Gnarls Barkleys Hit „Crazy“, eine Emotion, die das Publikum gerne ausstrahlte, als Wolf bei den hohen Tönen im Refrain mit Cee-Los Power mithalten konnte.

​​Aaron Röbig und Felix Wagner, die im Underground-Tanzprojekt FJAAK produzieren und auftreten, spielen im Allgemeinen Musik, die für die tiefen Stunden der Nacht in schmutzigen industriellen Lagerhallen geeignet ist. Sie wechseln oft zwischen knallhartem Techno und mitreißenden Left-Field-Breakbeats und am Field Day 2022 brachten sie ihre Nighttime-James um 16 Uhr auf die Hauptbühne.

Teuflische Beats erklangen über die Felder des Victoria Parks, während die DJs auf drei LED-Displays übertragen wurden. Es war, als wären sie die Leadsänger der verschiedenen Rockbands, die zu unterschiedlichen Zeiten während der Veranstaltung denselben Raum bewohnten. Eine komplette 180-Grad-Verbesserung im Vergleich zu FJAAK, die normalerweise zu finden ist, aber sie haben es auf jeden Fall geschafft.

Es gibt bestimmte Namen, die im Laufe der Musikentwicklung für immer weiterleben werden, und einer davon ist Kuti. Seit der nigerianische Meistermusiker Fela Kuti in den späten 1960er-Jahren den Afrobeat bahnte, indem er traditionelle afrikanische Musikstile wie Calypso und Yoruba mit Funk, Soul und Jazz kombinierte, war sein Nachname nie weit von der musikalischen Diskussion entfernt.

Am ersten Tag von All Points East trat Femi Kuti mit seinem eigenen Afrobeat-Ensemble auf. Genau wie sein Vater Fela es für ihn getan hatte, begrüßte Femi seinen Sohn Made Kuti in der Band. Made spielte das letzte Lied des Sets, bei dem er einen Ton auf seinem Saxophon hielt, so lange, dass die Leute ihre Telefone zückten, um ihn abzustimmen.

Neben den großen Bühnen hatte APE auch kleine Bühnen für die aufstrebenden Acts. Einer dieser Acts war die Indie-Band HighSchool, die auf der Firestone-Bühne für ein kurzes 30-minütiges Set auftrat, das hauptsächlich aus Songs ihrer Debüt-EP Forever at Last bestand.

Der Name HighSchool war ziemlich passend und befand sich in einer ruhigen Ecke des Festivals in der Nähe einer Reihe von Tischen und Bänken, wo die Teilnehmer sich ausruhen und essen konnten. Als die Band ihr allererstes Set mit einem Live-Schlagzeuger aufführte, fühlte es sich an, als kämen Bands während der Mittagspause in der Highschool zum Spielen in den Quader.

Der Hype um den Headliner-Auftritt der Chemical Brothers im Field war gelinde gesagt spürbar. Als die Sonne unterging und die anderen Bühnen schlossen, strömten Tausende von Menschen auf die Hauptbühne, um nicht nur die Musik der britischen Favoriten zu genießen, sondern auch die großartige, komplexe visuelle Show, die von den Mitgliedern Tom Rowlands und Ed Simons entworfen wurde.

„Block Rockin‘ Beats“ eröffnete das Set, was besonders spektakulär war, da Dig Your Own Hole im Jahr 2022 sein 25-jähriges Jubiläum feierte. Klassiker wie „Go“ und „Hey Boy Hey Girl“ folgten kurz darauf. Jeder Titel hatte ein einzigartiges visuelles Design, das immer beeindruckender und fesselnder zu werden schien, aber ein Highlight in dieser Hinsicht war sicherlich „Eve Of Destruction“ von der GRAMMY-prämierten LP No Geography.

In einer Populärkultur, in der Superhelden immer banaler werden, ist es den Chemical Brothers gelungen, ihr eigenes Team aus Superhelden und Superschurken zusammenzustellen, die live auf der Leinwand in epische Kämpfe eintreten. Kevin Feige und der Rest der Leute von Marvel Studios sollten dies zur Kenntnis nehmen.

Aufgrund der Art ihrer Aufnahmen ist es wahrscheinlich, dass jede Gorillaz-Show einen oder zwei besondere Gäste hat. Vor All Points East bestätigten Damon Albarn und Co. nicht nur einen, sondern neun verschiedene Gastkünstler, darunter Popcaan, Clash-Bassist Paul Simonon, das Hypnotic Brass Ensemble und The Pharcyde's Bootie Brown.

Yasiin Bey übernahm den Gesang bei „Sweepstakes“ und „Stylo“, seinen beiden Titeln aus „Plastic Beach“ aus dem Jahr 2010. Pos, eines der drei Mitglieder von De La Soul, verfasste seine Verse (und eine eher heitere Einführungspredigt) zur Hitsingle „Feel Good Inc.“ aus Demon Days 2005.

Doch obwohl so viele Freunde zu Albarns Show in ihrer Heimatstadt zusammenkamen, gab es immer noch Raum für ein paar Überraschungen, darunter Kevin Parker von Tame Impala, der zum ersten Mal überhaupt die kommende Single „New Gold“ von Gorillaz aufführte.

Sehen Sie sich Backstage-Interviews bei Outside Lands 2022 an: Phoebe Bridgers, Robert Glasper, TokiMonsta, Thuy und mehr

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U2 erhält die Auszeichnungen „Album“ und „Song des Jahres“ und John Legend ist gegen diese Nominierten der beste neue Künstler

Music's Biggest Night, die 54. jährlichen GRAMMY Awards, wird am Sonntag, den 12. Februar um 20 Uhr ET/PT auf CBS live aus dem Staples Center in Los Angeles übertragen.

In den Wochen vor der Ausstrahlung werden wir mit GRAMMY Rewind einen Spaziergang in die Erinnerung an die Musik machen und dabei die „großen vier“ Kategorien hervorheben – Album des Jahres, Schallplatte des Jahres, Song des Jahres und bester neuer Künstler – aus vergangenen Preisverleihungen. Dabei beleuchten wir die Gewinner und die Nominierten, die knapp am GRAMMY vorbeigeschrammt sind, und werfen gleichzeitig einen Blick auf die Karrieren der Künstler und die Epochen, in denen die Aufnahmen entstanden sind.

Begleiten Sie uns auf einer kurzen Reise durch die Entwicklung der Popmusik von den 1. Annual GRAMMY Awards im Jahr 1959 bis zu den 53. Annual GRAMMY Awards im letzten Jahr.

48. jährliche GRAMMY Awards8. Februar 2006

Album des Jahres Gewinner: U2, How To Dismantle An Atomic BombMariah Carey, The Emancipation Of MimiPaul McCartney, Chaos And Creation In The Backyard Gwen Stefani, Love. Engel. Musik. Baby.Kanye West, Late RegistrationNachdem U2 1987 Michael Jacksons „Bad“ für die Trophäe „Album des Jahres“ übertrumpfte, überwanden sie eine weitere Hürde, indem sie ein Viertel der Beatles, den MusiCares Person of the Year-Preisträger 2012, Sir Paul McCartney, besiegten [http:/ /www.grammy.com/news/paul-mccartney-to-perform-at-2012-musicares-person-of-the-year-gala\]. „How To Dismantle An Atomic Bomb“, angeblich die Rückkehr der Gruppe zu den großen Hymnen-Klassikern der 80er Jahre, landete auf Platz 1 der Billboard 200-Charts und erhielt 2004 und 2005 sieben weitere GRAMMYs, darunter den besten Rocksong für „ „Stadt der blendenden Lichter“ und „Vertigo“. Eine Art Comeback feierte auch Carey, deren zehnte Studioveröffentlichung „The Emancipation Of Mimi“ drei GRAMMY Awards gewann, darunter den besten R&B-Song für den Nr.-1-Hit „We Belong Together“. 1990 gewann Carey ihre ersten beiden GRAMMYs, darunter den Preis für die beste neue Künstlerin. Für „Chaos And Creation In The Backyard“, produziert vom GRAMMY-Gewinner Nigel Godrich, kehrte McCartney zum Ein-Mann-Band-Stil seines selbstbetitelten Solodebüts zurück und spielte nahezu jedes Instrument des Albums, von Gitarren und Keyboards bis hin zu Bass und Schlagzeug. Stefani erhielt eine Nominierung für ihr Solodebüt „Love“. Engel. Musik. Baby. Das Album brachte vier weitere Anerkennungen hervor und enthielt ihre erste Nr.-1-Single als Solokünstlerin, das mitreißende „Hollaback Girl“. Wests zweite Veröffentlichung, Late Registration, markierte seine zweite Auszeichnung als Album des Jahres (er erhielt auch Anerkennung für die Produktionsarbeit an Careys The Emancipation …). Das Album schaffte es 2005 an die Spitze der Billboard 200 und enthielt den Nr.-1-Hit „Gold Digger“.

Rekord des JahresGewinner: Green Day, „Boulevard Of Broken Dreams“Mariah Carey, „We Belong Together“Gorillaz featuring De La Soul, „Feel Good Inc.“Gwen Stefani, „Hollaback Girl“Kanye West, „Gold Digger“

In der Kategorie „Schallplatte des Jahres“ setzte sich der Rock durch, als Green Day mit ihrem Hit „Boulevard Of Broken Dreams“ gewann. Der Titel erscheint auf American Idiot, das der Gruppe im Jahr zuvor einen GRAMMY für das beste Rockalbum einbrachte und ihnen Präsenz am Broadway verschaffte, als es 2009 später in ein Musical umgewandelt wurde. Careys „We Belong Together“ schoss an die Spitze mehrerer Popsongs 2005 landete sie in den Charts und gewann zwei Grammys, darunter den Preis für die beste weibliche R&B-Gesangsdarbietung. Für Abwechslung sorgte die virtuelle Hip-Hop-Gruppe Gorillaz mit dem viralen „Feel Good Inc.“ mit De La Soul. Der Titel brachte ihnen einen GRAMMY für die beste Pop-Kollaboration mit Gesang und ein virtuelles Duett mit Madonna in der GRAMMY-Sendung ein. Stefanis „Hollaback Girl“ erhielt mithilfe der GRAMMY-prämierten Produzenten Neptunes eine Nominierung. Wests „Gold Digger“, in dem Jamie Foxx Stücke aus „I Got A Woman“ von Ray Charles sampelt, bescherte dem 14-fachen GRAMMY-Gewinner einen Preis für die beste Rap-Solo-Performance.

Lied des JahresGewinner: U2, „Sometimes You Can't Make It On Your Own“Mariah Carey, „We Belong Together“John Legend, „Ordinary People“Rascal Flatts, „Bless The Broken Road“Bruce Springsteen, „Devils & Dust“

Der zweite Song-of-the-Year-Sieg für U2, das emotionale „Sometimes You Can't Make It On Your Own“, wurde von Bono und U2 geschrieben und brachte der selbsternannten besten Band der Welt außerdem einen GRAMMY für die beste Rock-Performance ein Von einem Duo oder einer Gruppe mit Gesang in diesem Jahr, das Coldplay, Foo Fighters, Franz Ferdinand und die Killers besiegte. Careys dritte Nominierung im General Field wurde gemeinsam mit einer All-Star-Besetzung geschrieben, zu der Johnta Austin, Babyface und Jermaine Dupri gehörten. Sein GRAMMY-Debüt gab dieses Jahr Legend, der gemeinsam mit Black Eyed Pea will.i.am „Ordinary People“ schrieb. Das Debüt-Studioalbum des Sängers/Pianisten, Get Lifted, gewann einen GRAMMY für das beste R&B-Gesangsalbum, eine Trophäe, die ersetzt wurde [Link zu: http://www.grammy.com/news/legend-gets-a-do-over \] im Jahr 2010 von The Recording Academy nach einem Vorfall mit Legends Neffen. Eine der ersten Country-Gruppen in jüngster Zeit, die eine Nominierung für den Song des Jahres erhielt, war „Bless The Broken Road“ von Rascal Flatts, geschrieben von Bobby Boyd, Jeff Hanna und Marcus Hummon. Der zuvor von der Nitty Gritty Dirt Band aufgenommene Titel gewann den Preis für den besten Country-Song. Der letzte Beitrag, Springsteens selbst geschriebenes „Devils & Dust“, das auf dem gleichnamigen Nr.-1-Album erscheint, brachte dem Boss dieses Jahr fünf GRAMMY-Nominierungen ein, darunter einen Sieg für die beste Solo-Rock-Gesangsdarbietung.

Bester neuer KünstlerGewinner: John LegendCiaraFall Out BoyKeaneSugarland

Der Neo-Soul-Künstler Legend, der 2005 mit seinem ersten Studioalbum und seinem ersten Auftritt bei den GRAMMY Awards zwei große Debüts gab, wurde als bester neuer Künstler ausgezeichnet. Get Lifted schaffte es auch in die Top 5 der Billboard 200. Die aus Texas stammende Ciara, die von Produzentin Lil Jon zur „First Lady of Crunk and B“ ernannt wurde, erhielt eine Auszeichnung. Für „Lose Control“ nahm sie außerdem einen GRAMMY für das beste Kurzform-Musikvideo mit nach Hause. Die Pop-/Punk-Band Fall Out Boy erhielt ihre bisher einzige GRAMMY-Nominierung. Das Album der Gruppe aus dem Jahr 2005, „From Under The Cork Tree“, erreichte Platz 9 der Billboard 200. Die vom Klavier getragene Pop-/Rockgruppe Keane brachte mehr Abwechslung in das vielfältige Feld und erhielt im folgenden Jahr eine zweite Nominierung für „Is It“. Irgendein Wunder?“ Der zweite Country-Act, der im General Field Anerkennung fand, war das damalige Trio Sugarland mit Kristian Bush, Kristen Hall und Jennifer Nettles. Zwei Jahre später gewann die Gruppe einen GRAMMY für die beste Country-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang – ohne Hall – für den Tränenfluss „Stay“.

Kommen Sie morgen wieder zu GRAMMY.com, wenn wir uns die 49. jährlichen GRAMMY Awards noch einmal ansehen.

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Foto: Michael Caulfield/WireImage.com

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Fühlen Sie sich niedergeschlagen? Die GRAMMY Nurses Week-Playlist wird Sie sofort wieder munter machen

Um das Leben von Florence Nightingale, der Begründerin des modernen Krankenpflegeberufs und leitende britische Krankenschwester während des Krimkrieges, zu würdigen, wurde vom 11. bis 16. Oktober 1954 die erste National Nurses Week begangen, die den 100. Jahrestag von Nightingales Mission auf der Krim markierte. Diese feierliche Woche wurde 1974 von Präsident Richard M. Nixon offiziell ausgerufen und 1981 wurde der 6. Mai zum Nationalen Anerkennungstag für Krankenpfleger erklärt.

Im Jahr 1990 erweiterte der Vorstand der American Nurses Association den Feiertag zu einer einwöchigen Feier, die am 6. Mai begann und am 12. Mai – Nightingales Geburtstag – endete.

Als eine der größten Gesundheitsveranstaltungen des Landes würdigt diese Woche die Beiträge und Verpflichtungen von Krankenpflegern und informiert die Öffentlichkeit über die bedeutende Arbeit, die sie leisten. Es ist vielleicht kein Heilmittel gegen eine Erkältung, aber zu Ehren dieser unten genannten bemerkenswerten Krankenschwestern und Krankenschwestern auf der ganzen Welt präsentieren wir unsere heilende GRAMMY-Playlist.

"Helfen!" The Beatles, GRAMMY Hall Of Fame, 2008Wenn es jemals eine Krankenschwester gab, die ein wenig Hilfe anbot, dann war es die britische Krankenschwester Edith Cavell. Während des Ersten Weltkriegs war sie dafür bekannt, allen Soldaten zu helfen, erlangte jedoch ewigen Ruhm, weil sie alliierten Soldaten bei der Flucht aus Belgien half. Die Beatles brauchten nicht viel Hilfe, denn „Help!“ erreichte 1965 auf beiden Seiten des Atlantiks Platz 1.

"Überlebende" (iTunes>)Destiny's Child, Beste R&B-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang, 2001In diesem mit einem Grammy ausgezeichneten Song schwören die Damen von Destiny's Child, niemals aufzugeben oder aufzuhören und versprechen, härter zu arbeiten. Clara Barton muss das gleiche Gelübde abgelegt haben, als sie sich auf einem Kurzurlaub in Europa befand, da ihre Gesundheit durch den Einsatz von Soldaten in der ersten Schlacht von Bull Run im Bürgerkrieg stark beeinträchtigt wurde. Sie wurde schließlich Gründerin und erste Präsidentin des Amerikanischen Roten Kreuzes, das am 21. Mai 1881 in Washington, D.C. gegründet wurde

"Ich werde überleben" (iTunes>)Gloria Gaynor, Beste Disco-Aufnahme, 1979 Solange sie lieben kann, erklärt Gaynor, dass sie überleben wird. Mary Todd Lincoln, die Ehefrau von Präsident Abraham Lincoln, zeigte ihre Liebe und Loyalität gegenüber der Union, als sie während des Bürgerkriegs Unionssoldaten besuchte, ernährte und behandelte.

"Fieber" (iTunes>)Peggy Lee, GRAMMY Hall Of Fame, 1998Hazel W. Johnson-Brown konnte wahrscheinlich das allgemeine Fieber und noch mehr heilen, als sie 1979 als erste afroamerikanische Frau den Rang eines Brigadegenerals in der US-Armee erreichte. „Fever“ war für Lee das richtige Rezept, da es 1958 auf Platz 8 der Billboard Hot 100 aufstieg.

"Atme wieder durch" (iTunes>)Toni Braxton, Beste R&B-Gesangsdarbietung, 1994 Die Pionierin der Krankenschwester Mary Breckinridge hatte wahrscheinlich das Gefühl, endlich wieder aufatmen zu können, als sie nach dem Ersten Weltkrieg nach Europa floh, um sich dem Amerikanischen Komitee für das verwüstete Frankreich anzuschließen, nachdem sie ihren Mann verlassen hatte. Nach ihrer Rückkehr in die Vereinigten Staaten gründete sie 1925 den Frontier Nursing Service. Braxton konnte aufatmen, als „Breathe Again“ 1994 die GRAMMY-Auszeichnung erhielt.

"Hilf mir die Nacht zu überstehen" (iTunes>)Sammi Smith, Beste Country-Gesangsdarbietung, weiblich, 1971 Wenn es jemals eine Krankenschwester gab, nicht irgendeine Krankenschwester, die Ihnen helfen konnte, die Nacht zu überstehen, dann war es Nightingale. 1854 reiste sie in die Türkei, wo sie sich um verwundete britische Soldaten kümmerte und sie rund um die Uhr betreute, was ihr den Spitznamen „Die Dame der Lampe“ einbrachte. „Help Me Make It Through The Night“, Smiths größter Hit, wurde von seinem GRAMMY-Gewinnerkollegen Kris Kristofferson geschrieben.

„Heilender Gesang“(iTunes>)Neville Brothers, Beste Pop-Instrumentaldarbietung, 1989Der „Healing Chant“ der Neville Brothers dient vielleicht als passendes Thema für Krankenschwester Jeanne Prentice, die für ihren Einsatz beim Schutz des Rechts einer Mutter bekannt ist, eine lizenzierte Fachkraft für die Betreuung zu Hause zu wählen Geburten in South Dakota.

"Spassgesellschaft." (iTunes>)Gorillaz featuring De La Soul, Beste Pop-Kollaboration mit Gesang, 2005. In ihrem 1966 erschienenen Buch The Nature Of Nursing wurde Virginia Avenel Henderson für ihre formale Definition von Krankenpflege berühmt: „Individuen dabei zu unterstützen, Unabhängigkeit in Bezug auf die Ausführung von Aktivitäten zu erlangen.“ zur Gesundheit oder ihrer Genesung beitragen.“ Henderson wollte sicherlich sicherstellen, dass sich jeder ihrer Patienten wohl fühlte, ähnlich wie die musikalischen Absichten der Gorillaz auf dem GRAMMY-prämierten „Feel Good Inc.“

„Anordnung des Arztes“ (iTunes>)Aretha Franklin und Luther Vandross, Nominierung für die beste R&B-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang, 1991Es müssen die Anweisungen des Arztes gewesen sein, denen Mary Ezra Mahoney folgte, als sie die erste afroamerikanische Krankenschwester wurde. Mahoney gründete 1908 auch die National Association of Coloured Graduate Nurses, die schließlich zwischen 1950 und 1951 mit der American Nurses Association fusionierte. Unglücklicherweise für Franklin und Vandross bestellte der Arzt 1991 einen GRAMMY für das Cooleyhighharmony-Album von Boyz II Men.

Der Heiler (iTunes>)John Lee Hooker, Nominierung für die beste traditionelle Blues-Aufnahme, 1989Sophie Mannerheim ist bekannt für ihre Pionierarbeit bei der Modernisierung des Pflegeberufs in Finnland. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts arbeitete sie als Oberschwester des Helsinki Surgical Hospital und wurde später Präsidentin des finnischen Krankenpflegerverbandes. Auch wenn sein Album letztendlich nicht den Durchbruch schaffte, erhielt der Blues-Pionier Hooker 1989 einen GRAMMY für die beste traditionelle Blues-Aufnahme für seine Zusammenarbeit mit Bonnie Raitt bei „I'm In The Mood“.

„Krank, krank, krank“ (iTunes>)Queens Of The Stone Age, Nominierung für die beste Hardrock-Performance, 2007 Der amerikanische Schriftsteller und Dichter Walt Whitman war krank, krank, krank, als er 1863 in Fredericksburg, Virginia, eine Geschichte über verwundete Soldaten las. Auf der Liste stand auch die seines Bruders Whitman nahm sofort einen Zug nach Virginia, wo er als ehrenamtlicher Krankenpfleger in mehr als 40 Krankenhäusern arbeitete. In ähnlicher Weise fühlten sich die Queens wahrscheinlich „krank, krank, krank“, als sie 2007 gegen die Foo Fighters für die beste Hardrock-Performance verloren, verloren, verloren.

„Herzschmerz heute Abend“ (iTunes>)Eagles, Beste Rock-Gesangsdarbietung eines Duos oder einer Gruppe, 1979Wenn Sie Kummer haben (oder irgendeine Art von Schmerz), ist die erste Person, die Sie um sich haben möchten, eine Krankenschwester oder Lillian Carter, die Mutter von Präsidentin Jimmy Carter, die 1966 ihre Zeit als Freiwillige des Peace Corps in Indien verbrachte. Die Eagles konnten ihren Kummer 1979 in GRAMMY-Gold verwandeln.

Welches Lied verkörpert für Sie am besten die National Nurses Week? Oder vielleicht eines, das dich krank macht … Schreiben Sie uns einen Kommentar und lassen Sie es uns wissen.