Roundtable: Eine Rezension von boygenius‘ „the record“

Dec 28, 2023

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Kevin Krein: Ich war auf Julien Baker aufmerksam, als „Sprained Ankle“ ursprünglich ausfiel und sie begann, viel Presse zu bekommen, aber ehrlich gesagt war ich Ende 2015 an einem Punkt, an dem ich einfach nicht in der Lage war, dieser Platte die Zeit und Mühe zu geben, die ich vielleicht hätte tun sollen haben. Im Jahr 2017, kurz vor der Veröffentlichung von Stranger In The Alps, sah ich eine Schlagzeile von The AV Club, die besagte, dass es sich um das traurigste Album des Jahres handelte und dass Phoebe Bridgers mehr oder weniger die Thronfolgerin von „Stranger In The Alps“ war Elliott Smith, was ausreichte, um mein Interesse zu wecken.

Ungefähr zur gleichen Zeit veröffentlichte Baker ihr zweites Album „Turn Out The Lights“, und ich war sofort beeindruckt, wie ehrlich und düster es war – und begann wirklich in meiner Ära, in der ich traurigen jungen Frauen zuhörte, die traurige Musik für traurige Weiße machten

Lucy Dacus veröffentlichte „Historian“ im Frühjahr 2018, und es gefiel mir – oberflächlich gesehen ist es von Natur aus nicht so traurig oder düster wie „Stranger“ oder „Turn Out The Lights“, aber Dacus‘ Stimme und ich haben eine reiche Seelenfülle Ich habe wirklich bewundert, wie kühn der erste Track und die Lead-Single „Night Shift“ waren, gerade im Hinblick auf die Art und Weise, wie er von einer Bewegung in die andere übergeht, wobei so viel davon nur sie und die Gitarre waren, bevor Der Rest der Band stürzt sich am Ende auf die Katharsis.

Ich schnappte bei mir zu Hause laut nach Luft, als im Sommer 2018 die ursprüngliche selbstbetitelte EP mit einer Veröffentlichung im Spätherbst und der begleitenden Tour mit Dacus als „Opener“ und Bridgers und Baker als Co-Headliner angekündigt wurde. Da alle ihre jeweiligen Soloauftritte in den letzten drei oder vier Jahren immer umfangreicher und bekannter wurden, war ich mir nicht sicher, welche Priorität, wenn überhaupt, der Wiederbelebung der Boygenie als Band beigemessen werden würde und wie sie damit weitermachen würden es, wenn sie es täten.

Beau Hayhoe: Ich glaube, wie viele junge Genie-Zuhörer bin ich durch die Summe ihrer Teile auf die Gruppe gestoßen – zuerst habe ich mich in Julien Bakers spärliches, schönes, aber herzzerreißendes Stück „Sprained Ankle“ verliebt, dann in „Stranger in the Alps“ von Phoebe Bridgers und schließlich in „Stranger in the Alps“ von Phoebe Bridgers Musik von Lucy Dacus. Und als das Debüt auf Sendung ging, war ich voll dabei und voller Vorfreude.

Ich denke, wie bei den meisten Zuhörern hat dieses Debüt bei mir den Wunsch nach mehr geweckt – die Stärken der einzelnen Sänger auszuspielen, ihnen Raum zu geben, zu glänzen und kleine Schnörkel groß hervorstechen zu lassen (besonders „Souvenir“ erdrückt mich immer noch).

Es war unglaublich cool zu sehen, wie das Trio im Herbst 2018 Solo-Sets auf Tour spielte (Lucy, dann Julien, dann Phoebe), bevor sie als Boygenius für die Zugabe zurückkehrten – ein Zeichen für größere und bessere Dinge, die noch kommen werden!

Kylie Gurewitz: Ich war vor Boygenius ein großer Fan von Lucy Dacus, und obwohl Phoebe Bridgers und Julien Baker beide auf meinem Radar waren, kannte ich keinen ihrer Kataloge besonders gut. Ein Freund von mir schickte mir kurz nach der Veröffentlichung die erste Boygenius-EP, und ich war begeistert. Ketchum, ID, ist mir wirklich aufgefallen, was mich total von Phoebes Songwriting überzeugt hat. Ich erinnere mich daran, wie ich Punisher an dem Tag gehört habe, als es mitten im Lockdown und den Black-Lives-Matter-Protesten herauskam, und einfach überwältigt war – das ist definitiv eines meiner Lieblingsalben aller Zeiten. Ich mag Juliens Songwriting wirklich, aber ich gebe zu, dass ich ihre Solo-Diskographie nicht ganz so gut kenne wie die der anderen beiden.

Ich liebe die drei einzeln, aber boygenius hat etwas Magisches und ich habe immer gehofft, dass sie mehr zusammen Musik machen würden. Es war in den letzten Jahren interessant, ein Fan zu sein, da Unternehmen und die ganze Welt versucht haben, dieses Genre der „Sad-Girl-Indie“-Musik, dem sich diese Künstler aktiv zu widersetzen versuchen, zu einer Ware zu machen. Aber man kann Boygenie nicht in eine Schublade stecken, das ist sicher.

Sophie Severs: Die Musik von boygenius war schon immer der perfekte Soundtrack für die emotional rauesten Momente des Lebens – Momente des Übergangs und des immensen emotionalen Umbruchs. Ihre gesamte Diskographie muss man sich genau anhören; denn ihre Texte enthalten Nuancen, die geradezu danach schreien, analysiert zu werden. Aber seien Sie gewarnt: Bevor Sie zu sehr über die Auswirkungen dieser Texte nachdenken, schnappen Sie sich besser ein paar Taschentücher, da Sie am Ende vielleicht ein paar (oder viele) Tränen vergießen.

Manchmal scheint ihre Diskografie fast noch eine Beleidigung zur Verletzung hinzuzufügen und Gedanken, die tief in der Psyche liegen, an die Oberfläche zu bringen, um sie genau zu untersuchen. Die drei scheinen die wundersame Fähigkeit zu haben, genau zu beschreiben, was ich für mich empfinde, wenn ich selbst nicht die nötige Rhetorik aufbringen kann – danke, Leute!

Ich erinnere mich, dass ich „Souvenir“ zu einer meiner Playlists hinzugefügt habe, als ich gerade darüber nachdachte, ob eine Beziehung, die ich führte, wirklich gut für mich war oder nicht, und wie ich mir vorstellen konnte, aus ihr herauszukommen, wenn es sich als Letzteres herausstellte – eine Frage, über die auch Baker, Bridgers und Dacus im Rahmen der Themen der Platte nachdenken. Dacus und Bridgers harmonieren am Ende der letzten Strophe und singen: „Wenn du ein Loch in meinen Schädel schneidest / Hasst du, was du siehst? / Wie ich es tue“ – ein Satz, der meine Frustration über mich selbst und meine Ängste im Zusammenhang mit dieser Beziehung einfängt, die mir theoretisch grenzenlose Freude bereiten sollte. Am Ende hat es für mich und meinen damaligen Partner nicht geklappt, aber meine Beziehung zu boygenius hat sich um das Zehnfache gestärkt, und hey, das ist gut genug für mich!

Nic Nichols: Ich gehöre hier wahrscheinlich zur Minderheit, da ich über boygenius gestolpert bin, bevor ich mir die Zeit genommen habe, mich ernsthaft mit den Diskografien der einzelnen Künstler zu befassen. Die erste EP drehte sich irgendwie in meinem Freundeskreis an einem für uns alle entscheidenden Übergangspunkt, und ich denke, wir haben uns nahtlos mit der emotionalen Intimität des Sounds verbunden. Von da an wurde es für mich zu einer Art Schnitzeljagd, bei der ich versuchte, das Projekt zu dekonstruieren und die Quelle jedes Elements zu ermitteln.

Ich glaube, von diesem Zeitpunkt an wurde ich noch mehr zu einem Fan, da es keine einzelne Stimme oder einen einzigen Stil gab, der sich von den anderen abhob. Dacus' scharfe Gitarre fügt sich nahtlos in Bakers kalkulierte Selbstbeobachtung und Bridgers' eindringliche, samtene Grübeleien ein. Die Zusammenarbeit war sowohl eine Selbstverständlichkeit als auch elektrisierend aufregend, aber ich ging davon aus, dass es sich um ein eigenständiges Projekt handelte, das man aus der Ferne würdigen konnte, während die jeweiligen Essenzen der Künstler immer weiter reiften. Die Ankündigung eines vollständigen Albums stand definitiv nicht auf meiner Bingokarte für 2023, aber ich war sofort gespannt, wie gut sich ihre ursprüngliche Synastrie behauptet.

Josh Weiner: Nun, ich fühle mich ein wenig gedemütigt, wenn ich auf diese langatmigen Antworten über die jahrhundertealte Verbindung meiner Kollegen zu Boygenius starre … aber ehrlich gesagt glaube ich nicht, dass ich bis jetzt jemals von dieser Gruppe gehört habe! Ich hatte auf jeden Fall von Phoebe Bridgers gehört und mochte einige ihrer Musik, was mich dazu veranlasste, an diesem Runden Tisch teilzunehmen. Aber die Namen „Boygenius“, „Lucy Dacus“ und „Julien Baker“ waren mir bisher völlig fremd.

Andererseits hätte ich, wenn ich nur über Künstler berichtet hätte, die ich zuvor kannte, in meinen acht Jahren als Mitarbeiter bei Atwood weit weniger als 200 Rezensionen gesammelt. Außerdem nehme ich regelmäßig gerne an diesen Roundtables teil, sodass ich mich nicht daran gehindert habe, mich für einen weiteren Roundtable anzumelden. Hier geht nichts….

Oliver Crook : Ehrlich gesagt, das ist mein erster tiefer Einblick in Boygenius: Zu meiner ewigen Schande habe ich die EP irgendwie völlig verpasst. Obwohl ich ein großer Fan von „Punisher“ von Bridgers und „Sprained Ankle“ von Baker bin, fühle ich mich wie ein relativer Neuling in der tieferen Arbeit aller Musiker. Positiv zu vermerken ist, dass die Platte für mich eine große Suche in den musikalischen Kaninchenbau begonnen hat.

Beau Hayhoe: Ich denke, dass das Album genau das tut, was es beabsichtigt hat: die Stärken jedes Einzelnen auszuspielen und gleichzeitig zu zeigen, wie gut sie als Sänger und Songwriter zusammenspielen. Es ist fast so, als ob das Trio perfekt im Gleichschritt wäre – man merkt, dass sie eine besondere Bindung und Freundschaft haben, die um und durch die Musik gewachsen ist und durch die Musik wahrscheinlich noch stärker geworden ist. Ich denke, es kommt sofort rüber, und ich denke, dass jedes Lied von Lied zu Lied einen einzigartigen klanglichen Eindruck hinterlassen hat. Ich wäre gerne in einem Raum (oder bei einem Zoom-Anruf?), während sie Arrangements ausarbeiten und Songideen (und digitale Dateien?) hin und her austauschen.

Kylie Gurewitz: Ich hatte (heimlich) Angst, dass es nicht mit der ersten EP oder dem Solowerk mithalten könnte, aber das war nicht nötig. Beim ersten Hören gab es so viele Momente, die mich umgehauen haben; Von Gitarrenaufbauten über atemberaubende Harmonien bis hin zu kräftigen Schlägen im Songwriting. Im Vergleich zur EP von 2018, die in wenigen Tagen mit einer kleinen Gruppe von Leuten aufgenommen wurde, hat diese Platte nicht die gleiche rohe Intimität im Sound, aber sie behält dieses Gefühl durch die Lyrik und die Momente bei klingen wie kleine Sprachnotizen, die in den Mix geworfen wurden, wie bei „Satanist“.

Sophie Severs: Nach dem ersten Hören war ich größtenteils verstört. Die Art und Weise, wie sich die drei mit dieser Vorstellung von Liebe auseinandersetzen und versuchen, ihr einen Sinn zu geben und sie zu definieren, ist zutiefst erschütternd und zugleich unglaublich aufschlussreich. Bei dieser Arbeit handelt es sich sowohl um einen persönlichen Angriff als auch um eine Therapiesitzung (obwohl sich beides sicherlich manchmal überschneidet). In jedem Track spürt man dieses starke Gefühl der Katharsis; Und auch wenn das Album mit einem emotional ruinösen Song endet, fühlt man sich am Ende etwas geheilter als vor Beginn.

Nic Nichols: Das Wort, das mir dabei sofort in den Sinn kommt, ist „peripher“. Sie werden in ein allumfassendes Gefühl hineingezogen und dann sofort wieder in einen anderen atemberaubenden Beruf zurückversetzt. Sie schienen ihre Beziehung im Laufe der Jahre verbessert zu haben; Was ursprünglich noch als erschreckend fließende Mischung aus Kunstfertigkeit entstand, fungiert nun als Verstärker ihrer jeweiligen Talente und behält gleichzeitig die Magie bei, die jeden von ihnen in diesem Genre auszeichnet. Es ist sowohl eine Intervention als auch ein Auslöser; Am Ende ist man emotional völlig erschöpft.

Josh Weiner : Es ist eine wirklich tolle Platte! Ich war beeindruckt, dass es bei Metacritic eine bemerkenswert hohe Punktzahl erzielte, und ich freue mich, sagen zu können, dass diese positiven Kritiken völlig gerechtfertigt sind, da es während der gesamten 42-minütigen Laufzeit eine überragende Musikalität und einen mühelosen Übergang zwischen aufregender und sanfter Atmosphäre bietet .

Oliver Crook : Wahre, tiefe Liebe. Es ist eine nahezu perfekte Übung in Balance und Kontrolle: Es geht ernste Themen mit genug Humor an, um sich selbst bewusst zu bleiben, es ist folkig und weiß gleichzeitig, wann man rocken muss, es lässt jeden Stern strahlen und behält dabei seinen einzigartigen Boygenie-Sound bei. Baker, Bridgers und Dacus fühlten sich eindeutig von den Erwartungen losgelöst und fühlten sich im Umgang miteinander so wohl, dass sie ihre Komfortzonen verließen und etwas Größeres als sie selbst erschufen. Ich bin beeindruckt, wie viel Persönlichkeit sie auf dem Album unterbringen können.

Kevin Krein:Meine unmittelbare Reaktion ist, dass dies die emotional aufwühlendste Platte des Jahres 2023 ist. Ich bin mir sicher, dass die neue Veröffentlichung von The National zeitweise ebenfalls ziemlich emotional sein wird, aber ein großer Teil von The Record ist zu 100 % ein Akt emotionalen Terrors, und das stimmt warum ich es liebe.

Kylie Gurewitz: Aus der Perspektive eines Zuhörers scheint es, als hätte die Zusammenarbeit jedem Künstler mehr Freiraum gegeben, Risiken einzugehen und sich selbst manchmal etwas weniger ernst zu nehmen. In einem Interview mit dem W Magazine über die erste EP sagte Dacus: „Ich spüre ein Drittel des Drucks und dreimal so viel Freude.“ Vieles von dem, was auf dem Album geschrieben ist, kommt mir zutiefst kompromisslos vor, als hätte jedes Mitglied dem anderen die Erlaubnis gegeben, es unbedingt zu versuchen. Ich denke, dieser Thread gab es 2018, aber jetzt fühlt er sich als Schlüsselkomponente des Songwritings etabliert, was man bei „$20“ und „Letter to an Old Poet“ durchaus hören kann.

Sophie Severs: Die Arrangements auf der Platte nehmen eine härtere, rockigere Klanglandschaft an als ihre selbstbetitelte Debüt-EP – Klänge, die die drei jeweils im Rahmen ihrer eigenen Solokarrieren verfeinert haben. Baker, Bridgers und Dacus scheinen innerhalb der 12 Tracks völlig synchron zu sein; Sie verweben Bruchstücke ihrer eigenen künstlerischen Neigungen in das große Gesamtbild der Platte. Jedes Mitglied gibt ein äußerst authentisches Porträt seiner individuellen Psyche preis, aber es scheint, dass sie keine Angst haben, in diesen verletzlichen Raum einzutauchen – solange sie einander durch die Erfahrung dort haben.

Nic Nichols: In diesen Texten liegt ein Trost, den man nur jahrelanger Kommunikation und ernsthafter Zusammenarbeit zuschreiben kann. Das Anhören von Dacus' Home Video fühlte sich an, als würde man mit einem messerscharfen Messer durch eine Autopilot-Persönlichkeit schneiden und zeigte eine ähnlich neu entdeckte Sicherheit und akute Direktheit in ihren Texten. Der Fortschritt von Julien Baker lässt sich meiner Meinung nach am deutlichsten in ihrer Komposition erkennen. Little Oblivions war eine absolute Meisterklasse, und Bakers Einsatz von Percussion hat meine Sicht auf das Instrument völlig erweitert. Die Dynamik von Punisher ist seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2020 nie ins Stocken geraten, und das aus gutem Grund. Es ist eindringlich kathartisch und etabliert sich fest als integrales Artefakt der Zeit. die Platte hat eine ähnliche Aura; es fühlt sich schon fast nostalgisch an.

Oliver Crook : Es scheint eine größere Bereitschaft zu geben, die Grenzen des Sounds auszuloten und mehr Risiken einzugehen. Ich würde keines ihrer Soloalben als sicher bezeichnen, aber die Platte hat eine unausgesprochene Stärke, die daraus resultiert, dass sie von denen vorangetrieben wird, die einem am nächsten stehen und die man respektiert.

Ich komme immer wieder auf dieses Zitat von Dacus zurück: „Wenn jemand dachte: ‚Ich weiß nicht, ob das gut ist, es ist wahrscheinlich schrecklich‘ – dann dachte er: ‚Nein!‘ Sei das junge Genie! Jeder deiner Gedanken ist die Mühe wert, spuck ihn einfach aus.‘“ Ich habe das Gefühl, dass dies auf der Platte immer rüberkommt, da man die Momente hören kann, die man vorher zurückgehalten hätte, anstatt weiter ins Unbekannte zu fahren. Nehmen Sie diesen schönen Moment in „Revolution 0“, in dem Bridgers „I used to think/If I'd just close my eyes/I'd verschwinden“ singt und das Lied ausklingt, bevor die Streicher und Gitarren in einem traumhaften Drift zurückbrüllen. Es ist nicht nur atemberaubend, es ist auch ein Moment, den nur furchtlose Künstler versuchen würden.

Beau Hayhoe: Wenn man zu lange darüber nachdenkt, ist es fast erstaunlich, wie sich jeder von ihnen seit seinem Debüt im Jahr 2018 auf seine eigene Weise weiterentwickelt hat. Mich hat (vielleicht) am meisten beeindruckt, was Julien Baker mit ihrer Bühnenshow und ihrem absolut umwerfenden Album Little Oblivions aus dem Jahr 2021 gemacht hat – zu sehen, was sie mit einer kompletten Band im Rücken machen kann, ist inspirierend. Und man merkt sicherlich, dass sowohl Lucy als auch Phoebe rasant gewachsen sind – Phoebes Beliebtheit als frischgebackener Indie-Star, der (fast) aus dem Mainstream verschwunden ist, spricht dafür.

Für mich sind die Songs und Arrangements gleichzeitig dichter, lauter und doch komplexer – die Debüt-EP fühlte sich manchmal spärlich an, auf großartige Weise, und doch ist auf dieser gesamten LP eine größere Komplexität im Spiel.

Kevin Krein: Es war beeindruckend, das Wachstum zu beobachten, und zwar zunächst einmal speziell bei Bridgers. „Punisher“ ist allein in seiner komplexen und dichten Anordnung auch drei Jahre nach seiner Veröffentlichung immer noch ein echter Hingucker. Darüber hinaus war es für Baker selbstverständlich, bei Little Oblivions einen „Full-Band“-Sound einzuführen; Auf einzelnen Singles aus dem Jahr 2019 konnte man hören, wie sie damit herumexperimentierte, und es hat ihrem Songwriting viel Schärfe und Tiefe verliehen. Dacus hat bei Home Videos, wie auch Baker und Bridgers, die Verwendung von eher strukturellen Elementen sehr angenommen – wie stimmungsvolle Synthesizer, interessante Effekte oder einfach nur das Schreiben von Songs, die am Ende zu etwas viel Größerem werden, als sie es vielleicht hätte schaffen können habe es in der Vergangenheit so leicht geschafft. Ich denke, diese Art von Wachstum und Reifung kann man auf The Record sowohl daran hören, wie es klingt – es ist glatt und voller subtiler Studio-Tricks, aber dadurch trifft es jeden dort, wo er jetzt ist, und keiner ist so groß wie der große oder Bombastisch klingende Momente wirken unaufrichtig, aber auch in der sehr zweideutigen konfessionellen Natur der Lyrik, in dem Lied, in dem klar ist, dass eine Person mehr an der Komposition beteiligt war, und in den Melodien, in denen ein Gleichgewicht zwischen allen drei Stimmen herrscht und was sie beitragen. Es erfordert viel Intelligenz, solche persönlichen Erzählungen zu verfassen, aber man darf nicht alles ausspielen und gleichzeitig so viel von sich selbst preisgeben.

Josh Weiner: Wie oben erwähnt, hatte ich vor der Veröffentlichung dieser Platte noch nie von Boygenius (oder einem seiner Mitglieder außer Phoebe Bridgers) gehört. Darüber hinaus war mir nicht bewusst, dass sie 2018 tatsächlich eine Debüt-EP veröffentlicht hatten – ehrlich gesagt, wenn sie vor fünf Jahren nur eine 20-minütige EP veröffentlicht hätten, wäre es mir weniger peinlich, dass ich Ich hatte bis jetzt noch nie von dieser Gruppe gehört.

Wenn dieser Roundtable-Artikel keine so enge Frist hätte (also morgen erscheinen würde, wenn das Album tatsächlich herauskommt), dann würde ich mir die Zeit nehmen, mir Boygenius anzuhören und mir ein paar gründliche Gedanken darüber zu machen, wie die EP und die LP im Vergleich abschneiden einander. Aber da das nicht passieren wird, sage ich einfach Folgendes: Angesichts der Tatsache, dass ihre erste EP vor fünf Jahren herauskam und sie seitdem einzeln Großes geleistet haben (sehen Sie sich zum Beispiel die äußerst beeindruckenden Metacritic-Scores von Phoebe Bridgers an). , dann bin ich mir sicher, dass die Nachfolge-LP noch mehr musikalische Kompetenz und klanglichen Zusammenhalt an den Tag legen wird als 2018. Hoffentlich höre ich mir das bald einmal genauer an, um zu sehen, ob das tatsächlich der Fall ist.

Sophie Severs: Der Titel, der diese Frage am besten beantwortet, ist vielleicht „Cool About It“. Baker, Bridgers und Dacus beginnen alle einen Vers und teilen ihre unterschiedlichen Erfahrungen in einem Arbeitsdialog; Geduldig durch ihre Unsicherheiten und emotionalen Prozesse sortieren. Auch wenn sie möglicherweise unterschiedliche Klangtendenzen und Dinge mitbringen, werden sie durch diese universellen Gefühle zusammengebracht.

Wie die drei in „True Blue“ sagen: „Es fühlt sich gut an, so gut bekannt zu sein“ – und ich kann nur hoffen, dass der Text teilweise eine Anspielung auf ihre Freundschaft war. Die Liebe zwischen diesen drei Freunden spiegelt sich in jedem Track wider, während man bei ihren Soloprojekten ein Gefühl kalter Isolation in diesen unausweichlichen Gefühlen spüren kann, die sie ganz alleine beschreiben. Als vereinte Front stellt sich boygenius diesen nicht optimalen Gefühlen unverfroren und fordert seine Zuhörer auf, dasselbe zu tun.

Nic Nichols: Ich komme immer wieder auf die Texte zurück, aber die Platte ist hinsichtlich ihres Themas und der Verbindung der Perspektiven, durch die sie vermittelt wird, wirklich herausragend. Als die ursprünglichen drei Songs zum ersten Mal veröffentlicht wurden, verschaffte mir „Not Strong Enough“ einen stärkeren Einblick in die exklusive Stimme von Boygenius, auch wenn die druckvollen Gitarren im 20-Dollar-Preis eher zu meinem bevorzugten Sound tendierten. Die Harmonien, während die drei „Immer ein Engel, niemals ein Gott“ singen, lassen jede ihrer Stimmen über Wasser schweben. In „True Blue“ war „Aber es fühlt sich so gut an, so gut bekannt zu sein / Ich kann mich nicht vor dir verstecken, so wie ich mich vor mir selbst verstecke“ einer dieser einschneidenden Momente, die einen dazu zwingen, innezuhalten und über die Beziehung zu sich selbst und sich selbst nachzudenken das größere Werk. Boygenius nimmt das Schlagwort „Zuordenbarkeit“ nicht auf die leichte Schulter – man muss dafür arbeiten.

Auf dem gesamten Album ist „We're In Love“ die zarte Serenade, die im einleitenden „Without You Without Them“ angedeutet wird. Das filmische Geschichtenerzählen von Dacus war schon immer etwas, das ich wirklich schätze, und ihre Handschrift in diesem Track ist nicht zu übersehen. Die Texte sind mit einem unerschütterlichen Klebstoff überzogen, der Sie sowohl übertönt als auch vor völliger emotionaler Konsumtion schützt. „Im nächsten / Wirst du mich finden?“ Ich werde der Junge mit der rosa Nelke sein / An meinem Revers befestigt, der verdammt aussieht und um Hilfe bittet / Und wenn du das tust, weiß ich, dass du es bist.' Keine Worte nötig – das sind die Liedtexte, auf die schon Jahre in der Zukunft verwiesen wird.

Josh Weiner: Ich hasse es, einen weiteren Ausrutscher zu machen, aber das scheint die Art von Frage zu sein, bei der ich mir den Katalog jedes einzelnen Mitglieds wirklich gründlicher anhören und ein paar erfahrene Eindrücke von den individuellen Stärken und Stilen jedes Einzelnen entwickeln müsste, wie sie auf seinen früheren Platten zum Ausdruck kommen. und dann kommen Sie zurück, um zu sagen, wie diese auf diesem neuen wieder heraufbeschworen werden. Da ich unter Zeitdruck schreibe, kann ich diesem Prozess nicht gerecht werden, bevor meine Antworten hier fällig sind. Aber ich freue mich darauf, meine eigenen Antworten auf diese Frage zu entwickeln, sobald mir der Luxus der Zeit mehr geschenkt wird.

Oliver Crook : Obwohl mir die meisten Songs auf diesem Album gefallen, beeindruckt mich am meisten die Kohärenz im Ton und in der Stimmung. Es ist ein sehr komplettes Album: Die Songs gehen nahtlos ineinander über, die Texte sind persönlich, vermitteln aber eine einheitliche Botschaft, und jeder Song klingt wie ein Boygenie-Track, nicht wie ein Solo-Angebot von Dacus, Baker oder Bridgers. Die Ausarbeitung eines so soliden Themas und dessen nahtlose Umsetzung kommt von Musikern auf dem Höhepunkt ihres Könnens.

Kevin Krein: Das wirklich Interessante an Boygenius als Band, sowohl auf diesem Album als auch auf ihrer EP, ist, dass in der gemeinsamen Arbeit die Echos der Sololeistungen aller zu finden sind, aber der kollaborative Geist ist etwas, das sie letztendlich einzigartig macht. Außerdem ist da die sehr spürbare Liebe und Bewunderung, die Bridgers, Baker und Dacus füreinander hegen, und das kann man in vielen dieser Stücke wirklich spüren – selbst wenn sie über etwas so verdammt Herzzerreißendes singen, das sie erleben es macht Spaß, es gemeinsam zu machen.

Kylie Gurewitz: Ich denke, dass die Arrangements und die Instrumentierung auf der Platte einzigartig für Boygenius als Gruppe sind; Es fühlt sich an, als ob jeder Song unterschiedliche Elemente des Sounds jedes Künstlers aufgreift und mit unterschiedlichen Kombinationen herumspielt.

Durch das Co-Writing gibt es auch die Möglichkeit, Geschichten aus mehreren Perspektiven zu erzählen, die man bei Soloarbeiten einfach nicht hat. Songs wie „Cool About It“ und „Not Strong Enough“ fangen die gleiche Schönheit von „Ketchum ID“ ein, wo eine Idee jede Künstlerin dazu zu inspirieren scheint, ihre eigene Geschichte zu erzählen, die zu einem durchgehenden Faden verwirbelt; Das muss eine der größten Leistungen dieser Band sein.

Und dann ist da noch die offensichtliche Tatsache, dass diese drei wahnsinnig gut harmonieren können. Die Texturen aller ihrer Stimmen sind völlig einzigartig, aber sie sind in der Lage, aus diesen dreistimmigen Harmonien etwas Unglaubliches zu erschaffen. Ich denke, auf der Platte wird auch mehr geschrien als auf allen anderen Solowerken, das ist also ein Highlight.

Nic Nichols: „The Satanist“ kratzt zweifellos an einem Juckreiz, von dem ich dachte, dass er schon lange schlummert. Es ist nihilistisch, ein kompromissloser Titel, der geradezu danach schreit, von den Dächern geschrien zu werden, und der auch eine benommene Darstellung eines wahrhaft entleerten Geistes beinhaltet. „Wirst du mit mir ein Nihilist sein?“ / Wenn nichts zählt, Mann, ist das eine Erleichterung / Salomo hatte Recht, als er „Prediger“ schrieb / Wenn nichts bekannt sein kann, dann ist Dummheit heilig / Wenn die Leere langweilig wird / Wir gönnen uns etwas Selbstvertrauen. Es ist eine ängstliche Anspielung auf Bakers schwierige Erziehung und sein religiöses Trauma im Allgemeinen, aber meine Liebe dazu liegt eher darin, dass das Lied auf seiner Unverfrorenheit besteht. Es ist eine Stärkung von einem Ort des Verständnisses und der Sicherheit aus, und dieser Trost scheint es Baker zu ermöglichen, solch große Emotionen zu kanalisieren, ohne dabei Tiefe oder Selbstbewusstsein zu opfern.

Oliver Crook : Wie ich oben erwähnt habe, bin ich mehr von der Gesamtheit des Albums beeindruckt als von einzelnen Songs. Es fühlt sich an wie ein Album, das man sich von vorne bis hinten anhört, anstatt sich einzelne Titel herauszupicken, in denen man sich amüsieren kann. Trotzdem ist „The Satanist“ phänomenal: Es ist eingängig, ein Tempo, in dem die drei aufblühen und das sie allen dreien ermöglichen präsentieren ihre besten Fähigkeiten und großartigen Persönlichkeiten. Es ist einer dieser Momente auf der Platte, in denen alles passt und sich vier Minuten und 50 Sekunden lang alles richtig anfühlt.

Ich liebe auch die zutiefst persönliche Natur von „Emily, I'm Sorry“ und diesen Moment in der Mitte von „Anti-Curse“, in dem der emotionale Damm bricht und man entweder mitgerissen wird oder in den Gefühlen ertrinkt – es ist die Entscheidung.

Kevin Krein: Von den drei Original-Singles, die im Januar veröffentlicht wurden, als das Album angekündigt wurde, ragte „True Blue“ wirklich heraus, einfach wegen der Ohnmacht und Melancholie des Arrangements, aber auch textlich ist es eine der niederschmetterndsten hören. Auch „Not Strong Enough“ ist unglaublich – es erreicht im Refrain unvorstellbare Höhen, und die schiere Entspannung durch den Aufbau von „Always an angel, never a god“ ist einer der eindrucksvollsten Momente in einem Song dieses Jahr.

Beau Hayhoe: „True Blue“ ist sicherlich eine der Lead-Singles des Albums und ich bin beeindruckt von der Art 90er-Jahre-Alternative-Rock-Feeling von „Satanist“ – diese Songs kommen mir beide härter vor als alles auf der vorherigen Boygenius-Veröffentlichung , auf erfreuliche Weise. Die Tatsache, dass man alle drei im Gleichschritt hören kann, ist ein Beweis für die Produktion der Platte und vielleicht auch für den Wunsch der Gruppe, jedem Raum zu geben, seinen eigenen Weg zu gehen.

Kylie Gurewitz: „Letter to an Old Poet“ ist so ein verdammter Schlag in die Magengrube. Es hat das gleiche niederschmetternde Gefühl, das ich seit „Killer“ nicht mehr verspürt habe. Es gibt einen Rückruf zu „Me and My Dog“, wenn die drei „I wanna be“ singen, und dann gibt es diese Aufwärtsverschiebung im Akkord und Bridgers singt: „…happy, I'm ready.“ Es ist eine unglaubliche Möglichkeit, eine innere Transformation musikalisch zu verkörpern. Es fühlte sich so an, als ob eines der großen Themen der ersten EP dieser Selbsthass oder vielleicht eine Selbstverachtung war, der in dem Liedtext von „Me and My Dog“ so deutlich zum Ausdruck kommt: „I wanna be emaciated.“ Diese Zeile zu necken und dann mit dieser Erwartung zu spielen, ist ziemlich meisterhaftes Songwriting; Als ich zum ersten Mal zuhörte, fiel mir die Kinnlade herunter.

Josh Weiner: Der allgemeine Konsens scheint hier „True Blue“ zu sein, daher unterstütze ich auch diesen Titel. Aber ich habe alles genossen, was ich mir beim Vorhören anhören konnte, und ich möchte die farbenfrohe Instrumentierung bei „Not Strong Enough“ und den ätherischen Gesang bei „$20“ besonders hervorheben. Wir werden sehen, wie meine Eindrücke reifen, je besser ich mich mit der Musik vertraut mache.

Sophie Severs: Ich liebe die Idee einer gesunden, grenzenlosen Liebe in „True Blue“ und das mutige Eingeständnis von Unzulänglichkeit in „Not Strong Enough“, aber letztendlich muss ich den oben genannten Aussagen zu „Letter to an Old Poet“ zustimmen. Gesunde Liebe ist für einen Großteil dieses Albums ein Fremdwort, da die drei ihre Köpfe zusammenstecken, um herauszufinden, was genau dieses gewichtige „L-Wort“ bedeutet.

So herzzerreißend der Track auch ist, er fängt den wahren Herzschmerz und den holprigen Weg der Heilung, der darauf folgt, meisterhaft ein. Die Lyrik ist voller Gegenüberstellungen, die einfangen, wie schwierig es sein kann, jemanden zu lieben, wenn das Beste, was er einem geben kann, Ambivalenz ist. Aber selbst wenn man diese glanzlose Art von „Liebe“ erhält, platzen die rosafarbenen Linsen, als Bridgers die Führung übernimmt und singt: „Said I think that you'respecial / You said me Once that I'm selfish“, fährt er fort gestehe: „Und ich liebe dich / ich weiß nicht warum / ich tue es einfach.“ Im Laufe des Tracks verlernen die drei Musiker langsam die Vorstellung, an der Seite von jemandem bleiben zu müssen, egal was passiert, und konzentrieren sich stattdessen auf sich selbst und ihre Bedürfnisse in der Erzählung. Die drei harmonieren: „Du bist nichts Besonderes, du bist böse / Du kannst mir nicht sagen, dass ich mich beruhigen soll / Du hast mir das Gefühl gegeben, gleichberechtigt zu sein / Aber ich bin besser als du und das solltest du inzwischen wissen.“ „Nach Jahren der Taubheit erkennen sie langsam aber sicher ihr Selbstwertgefühl. Sie haben einen Wendepunkt erreicht und obwohl sie singen: „Ich kann es noch nicht fühlen / Aber ich warte“, ist der schwierige Teil geschafft und die Zukunft liegt vor ihnen.

Josh Weiner: Kürzlich bin ich von einer Ferienreise nach Quebec im Februar mit Eiszapfen im Gesicht zurückgekommen (allerdings mein breit grinsendes Gesicht – im Winter ist es dort oben verdammt großartig!). Daher kann ich die lyrische Passage auf „ Emily, es tut mir leid“, in dem es heißt: „Bring mich einfach zurück nach Montreal, ich suche mir einen richtigen Job, du gehst wieder zur Schule, wir können in der eisigen Kälte ausbrennen und uns einfach verlaufen.“ Das erinnert mich sehr daran, wie es dort oben für mich und meine Eltern gelaufen ist, die ich irgendwie überzeugt habe, mich bei diesem eisigen kanadischen Abenteuer zu begleiten. Wir haben die eisige Kälte in Montreal und Mont Tremblant überstanden, sind aber auch danach „ausgebrannt“ – nämlich als wir uns nach unserem Abendessen nach dem Skifahren an der Feuerstelle im Park in Saint-Jovite, QC, aufgewärmt haben! „Bringt mich einfach zurück nach Montreal“, das ist so ziemlich genau mein Gefühl nach solch einer großartigen Reise – ich habe das Festival International de Jazz im Juni im Auge, wo ich die nächste Gelegenheit habe, dies zu verwirklichen.

Kevin Krein: Ehrlich gesagt sind es für mich viele der Zeilen aus „True Blue“: „Du hast meine Gefühle schon dreimal auf dem Weg verletzt, den nur du konntest“ und „Du hast mir nie Unrecht getan, bis auf das eine Mal, das wir anziehen.“ Ich rede nicht darüber.“ Und natürlich die Zeile im Refrain: „Ich kann mich nicht vor dir verstecken, so wie ich mich vor mir selbst verstecke.“ Darüber hinaus ist auch ein großer Teil von „Brief an einen alten Dichter“ in Bezug auf wenig schmeichelhafte Überlegungen ziemlich schwer zu verstehen: „Du bist nichts Besonderes, du bist böse.“ Du kannst mir nicht sagen, dass ich mich beruhigen soll.“

Oliver Crook : Oh, wo soll ich mit dieser Frage anfangen? Ich habe das Gefühl, ich könnte so viele aufzählen, also verweise ich nur auf den Text „Brief an einen alten Dichter“, der näher kommt. Während viele auf den Text „Ich bin besser als du“ verweisen – und das sollten sie auch, es ist erstaunlich – Aber mein Favorit ist die Brücke: „Ich möchte glücklich sein/Ich bin bereit, in mein Zimmer zu gehen, ohne nach dir zu suchen.“

Beau Hayhoe:„True Blue“ strahlt hier für mich wieder durch – ich weiß, dass andere Zuhörer und Autoren den Text „Es fühlt sich gut an, so gut bekannt zu sein/Ich kann mich nicht vor dir verstecken, wie ich mich vor mir selbst verstecken kann“ absolut geliebt haben – und ich zähle mich dazu unter dieser Gruppe!

Interessanterweise fiel mir bei „Revolution 0“ die Zeile auf: „Ich habe Angst, krank zu werden, ich weiß nicht, was das ist“ – das ist vielleicht eine interessante Meditation über die vorsichtigen Schritte, die während der Pandemie unternommen wurden (und tatsächlich , da wir uns immer noch daran gewöhnen, zu Shows zu gehen und wieder in der Welt unterwegs zu sein!).

Alle drei Songwriter treffen den Nagel auf den Punkt: Sie singen aus dem Herzen und aus ihren eigenen Erfahrungen, aber auf eine Weise, die den Kern der menschlichen Erfahrung trifft, und das ist eine wunderbare Sache.

Sophie Severs:Es gibt so viele Texte, bei denen ich einen „Autsch“-Moment hatte.

„Ich werde so tun, als würde es sich nicht wie Ertrinken anfühlen, mit dir zusammen zu sein“ in „Cool About It“ ist wirklich eindringlich. So oft haben wir das Gefühl, dass wir diese fröhliche Persönlichkeit anziehen und so tun müssen, als wäre alles in Ordnung – obwohl wir in Wirklichkeit möglicherweise die schlimmsten Umstände durchleben oder schwere Emotionen verspüren und nicht wissen, wie wir aus einer Situation herauskommen. Dieser Track beleuchtet diese Emotionen auf äußerst einfühlsame Weise.

„Es fühlt sich gut an, so gut bekannt zu sein / Ich kann mich nicht vor dir verstecken / So wie ich mich vor mir selbst verstecke“ ist der herzerwärmendste Satz, den diese drei jemals gesagt haben. Ich liebe diese Vorstellung von bedingungsloser Liebe und das Gefühl, wirklich von einem anderen gesehen zu werden.

Ich habe erwähnt, dass Liebe dieses fremde, verwirrende Konzept ist, das die drei im Rahmen des Projekts immer wieder zu definieren versuchen. Der Text „Wenn es nicht Liebe ist, was zum Teufel ist es dann / ich schätze, lass mich einfach so tun“ in „Revolution 0“ fasst dies perfekt zusammen. Sie lassen sich auf diese Farce ein und spielen mit, bis sie sich selbst davon überzeugen können, dass es sich dabei wirklich um Liebe handelt.

„Jetzt, wo du mich so gut kennst, mag ich dich vielleicht weniger.“ Uff. Der Text in „Leonard Cohen“ tut weh. Die Art und Weise, wie der Satz so leichtfertig gesagt wird, trifft auf viele Situationen im wirklichen Leben zu. Es ist verheerend, wenn man jemandem so viel von sich gibt, nur um ihn dann zurückzuziehen, aber am Ende wächst man immer daran. Auf einen Neuanfang und größere und bessere Dinge!

Nic Nichols: Kann ich es wiederverwenden? Auch wenn ich die Wirkung bereits zuvor angesprochen habe, hat mich der Text „Always an angel, never a god“ wirklich unter seine Fittiche genommen und diesen großartigen Bedeutungsumfang auf den Punkt gebracht, den Boygenius weiterhin in ihrer Arbeit hervorruft. Für mich ist es eine Anspielung auf die Weiblichkeit und darauf, ihren Erfolg in einer von Männern dominierten Branche zu meistern und sich gleichzeitig als solche zu identifizieren, da selbst ihre jeweiligen Werke oft gefeiert, aber selten als das wahre Genie anerkannt werden, das zur Schau gestellt wird. Außerdem beschreibt es den Wunsch nach Kontrolle, unabhängig davon, ob dieser Wunsch in guter Absicht verwurzelt ist oder nicht, und die Akzeptanz dieser Kontrolle als Teil des eigenen Selbst.

Darüber hinaus ist das „Letter to an Old Poet“-Outro „I can't Feel it Yet / But I Am Wait“ ein so ergreifendes Bekenntnis der Reise der Heilung, dass wir nicht an der Ziellinie sein müssen, um den gegenwärtigen Moment zu erkennen für das, was es ist.

Kylie Gurewitz: Es gibt so viele lyrische Perlen auf der Platte. Eigentlich ist es verrückt, dass die Zeile „Ich möchte glücklich sein“ mittlerweile zu einer meiner Lieblingszeilen in einem Lied gehört und auch zu den traurigsten, die ich je gehört habe. „Letter to An Old Poet“ ist lyrisch so direkt und gefühlvoll; Es beginnt mit „Ich sagte, ich denke, dass du etwas Besonderes bist“ und steigert sich zu einem musikalischen Höhepunkt mit den Worten: „Du bist nichts Besonderes, du bist böse.“ Ich schätze, das Gefühl, ein Lob zurücknehmen zu wollen oder im Nachhinein einfach so anders über jemanden zu denken, berührt mich wirklich.

Ich muss auch hinzufügen, dass, wenn man die Aufnahme in einer Schleife laufen lässt, die letzte Zeile, die in „Without You Without Them“ übergeht, etwas ganz Besonderes ist: „Ich kann es noch nicht fühlen, aber ich warte…“. Es ist, als ob es sich zu warten lohnt, auf die Verbindung, die Sie zu anderen finden.

Oliver Crook : Was dieses Trio so interessant macht, ist, dass sich jeder in Bereichen auszeichnet, die den anderen fehlen, und so ein Album macht, das die Stärken jedes einzelnen ausspielt: Beispielsweise können nur wenige Künstler so persönlich sein wie Baker, aber Bridgers Fähigkeit, genau zu wissen, wann sie es tun sollen Rock Out macht beide Beiträge besser. Jeder Musiker schafft Raum für den anderen und schafft so ein Album, das in keiner Hinsicht ins Wanken gerät. Boygenius schafft es so meisterhaft, jeden Musiker in die Höhe zu treiben.

Kevin Krein:Ich denke, dass sowohl bei der EP als auch beim Album die Idee von Boygenius die Stärken aller Beteiligten ausspielt – es gibt Songs, bei denen es sich eindeutig um einen „Lucy-Song“ oder einen „Phoebe-Song“ oder was auch immer handelt, je nach Tonfall und Stimmung Wer hat eher eine Hauptrolle, aber sie arbeiten auch als Kollaborateure sehr gut zusammen und man merkt und hört auf jeden Fall, wenn es sich um einen Song handelt, wo das der Fall ist.

Beau Hayhoe: Das Wunderbare an dieser LP ist, dass man überall unterschiedliche Aussagen und Lieder hören kann, die widerspiegeln, wo sich jeder Autor an diesem Punkt seiner Karriere gerade befindet. Phoebe hat eine wunderbare Art, mit Worten und intimen Momenten auf einer ruhigen, beschwingten Gitarre umzugehen, während Juliens eigene Soloarbeit jetzt eine rockigere, tiefere Intensität hat als in den vergangenen Jahren (als sie Live-Shows nur mit Klavier und Gitarre spielte). Und Lucy stellt für mich einen schönen Mittelweg dar – vielleicht zeitweise eher im klassischen Alt-Rock-Stil der 80er/90er, aber auch mit einem Händchen für prägnante Balladen.

Das Schöne am Trio ist jedoch, dass sie nahtlos zwischen jedem dieser Modi wechseln können – alle drei können individuell aus einer anderen Denkweise heraus schreiben, singen, aufnehmen und live auftreten (erleben Sie laute Momente bei Phoebes Live-Show oder Juliens leise Akustik). Aufführungen). Und noch einmal: Alle drei Elemente spielen hier eine Rolle.

Kylie Gurewitz: Ich kann mir nur wünschen, bei einer dieser Schreibsitzungen eine Fliege an der Wand zu sein, aber es scheint mir, dass jeder von ihnen zwar ein paar fertig geschriebene Songs auf die Platte gebracht hat, aber beim Aufbau zusammengearbeitet hat. Es scheint, als ob Baker eine enorme musikalische und instrumentale Entwicklung in ein Lied einbringt, während Dacus die Gabe hat, die Lyrik zu verfeinern, und Bridgers ein Händchen für die Gestaltung der Melodien hat.

Sophie Severs: Baker, Bridgers und Dacus haben alle unterschiedliche Stärken, aber sie sind in diesem Gesamtwerk gut miteinander verflochten. Da jeder von ihnen über umfangreiche Erfahrungen bei der Gründung seiner eigenen Solokarrieren verfügt, schien die Arbeit von boygenius von Anfang an völlig intuitiv zu sein. Phoebe bringt diese zutiefst introspektive Lyrik auf den Tisch, Baker ergänzt sie mit ihrem Talent, eine klare akustische Melodie zu kreieren, und Dacus rundet das Ganze mit ihrer Vorliebe für eine knallharte Rockhymne ab. Zusammen sind sie eine Kraft, mit der man rechnen muss; eine Super-Supergruppe, wenn man so will.

Nic Nichols: Ich würde sagen, sie ermutigen ein Phänomen, das normalerweise dadurch gekennzeichnet ist, dass talentierte Künstler darum kämpfen, an der Spitze zu bleiben. Beim ersten Hören ist klar, welche Hand das Exoskelett für jeden Track konstruiert hat, aber sie scheinen das Beste voneinander zu ziehen und die ursprünglichen Konzepte mit ihren Perspektiven zu verbessern, anstatt sie abzustumpfen, um eine umfassendere Vorstellung davon zu besänftigen, was Boygenie „sein sollte“.

Josh Weiner: Wie der Begriff „Indie-Pop“ scheint mir auch die Vorstellung einer „Indie-Supergroup“ ein Widerspruch in sich zu sein. Aber ich bin froh zu sehen, dass diese Jungs so gut zusammenkommen wie auf diesem Album!

Kevin Krein:Zum jetzigen Zeitpunkt glaube ich das nicht – The Record hat jedoch eine Dringlichkeit, die einen dazu bringt, zurückzulaufen und sich wie besessen die Soloauftritte der Mitglieder der Gruppe anzuhören und sie jetzt vielleicht mehr zu schätzen diesen Moment, als du vielleicht zuvor hattest.

Beau Hayhoe: Sicherlich – es ist klar, dass alle drei Boygenius-Mitglieder die anderen besser machen, und es ist so cool zu hören, wie es Gestalt annimmt. Ich würde gerne noch einmal mehr über ihren Prozess und den Austausch von Ideen, Liedern und Gedanken hören, da man auf der Platte die Stärken jedes einzelnen Mitglieds heraushören kann.

Vielleicht führt es zu Veränderungen in der Art und Weise, wie sie schreiben und aufnehmen, oder in der Herangehensweise an den Prozess, aber ich werde in Zukunft auf weitere „Motion Sickness“-artige Uptempo-Rocker von Phoebe hören und vielleicht auf eine Rückkehr zu Julien Bakers ruhiger, Nuancierter Ansatz, und ich kann es kaum erwarten zu hören, wie Lucy dem beliebten Pitchfork Festival-Samstagsset vom letzten Jahr gerecht wird, bei dem sie einige mitreißende Momente auf der Gitarre lieferte.

Kylie Gurewitz: Seit der ersten Boygenius-EP habe ich definitiv begonnen, mir die Soloarbeit für den Hintergrundgesang genauer anzuhören; Es war cool, Julien und Lucy bei „Graceland Too“ Harmonien singen zu hören und Phoebe und Julien bei „Going, Going, Gone“ singen zu hören. Ich werde weiterhin auf solche Kleinigkeiten oder Gemeinsamkeiten zwischen den Songs achten.

Sophie Severs: Wie ich bereits erwähnt habe, wirken alle Gefühle, die in den Soloprojekten von Baker, Bridgers und Dacus zum Ausdruck kommen, so individuell und isolierend. Es ist Ihr typisches Auftreten von Solipsismus, das Gefühl, völlig allein im Universum zu sein und als wären Sie der Einzige, der sich jemals so gefühlt hat. Ich höre mir definitiv nicht ihre Soloprojekte an und analysiere zu sehr nach sehr ähnlichen Botschaften, aber allein zu wissen, dass die drei nicht so allein in ihrem Schmerz sind, ist ein heilsamer Gedanke, über den ich nachdenken sollte, wenn ich mich auf ihre jeweiligen Projekte einschalte.

Nic Nichols: Ich glaube nicht, dass es meine Sicht auf ihre jeweiligen Soloalben unbedingt verändert hat, aber ich höre mir die Einflüsse, die sie in diesen Projekten voneinander nehmen, etwas genauer an. Ich hasse es, „Ostereier“ zu sagen, weil sie sich weniger wie marktfähige Köder anfühlen, sondern eher wie durchdachte Ergänzungen, die auf früheren Gesprächen und Kooperationen basieren.

Josh: Ehrlich gesagt muss ich mir die meisten davon noch ansehen! Aber ich habe mir kürzlich „Punisher“ von Phoebe Bridgers noch einmal angeschaut, und ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass es auch heute noch genauso schwierig ist wie damals, als es im Juni 2020 zum ersten Mal herauskam – damals, als wir alle von der Gewissheit profitierten, dass das trotz allem der Fall war Trotz aller Art und Weise, wie die Welt damals zusammenbrach, wurde zumindest immer noch gute Musik veröffentlicht!

Oliver Crook : Einhundert Prozent. So widersprüchlich das auch klingen mag, das gemeinsame Hören hat es mir ermöglicht, genau herauszufinden, was mir an den Solos der einzelnen Musiker gefallen hat, und so in ihre eigene Arbeit einzutauchen, mit einer klareren Vorstellung davon, was sie zu solchen generationsübergreifenden Talenten macht.

Sophie Severs: Für mich ist die Platte eine Ode an die Heilung und das immer schwer fassbare Konzept des Selbstwertgefühls. boygenius hält unsere Hände fest, während sie uns durch diese Erzählung des Liebens und Loslassens führen und uns durch diese emotionale Achterbahnfahrt einer Platte begleiten. Wenn es eine übergeordnete Botschaft gibt, die ich durch das Projekt erhalten habe, dann ist es, dass man sein Herz schützen und sich in keiner Beziehung mit weniger zufrieden geben sollte.

Nic Nichols: Was ich daraus gelernt habe, ist, keine Angst vor der eigenen Macht zu haben, dass es eine Möglichkeit gibt, sich authentisch auszudrücken und sich von denen zu befreien, die versuchen, die eigene Stimme zu unterdrücken, ohne das Gleiche einem anderen anzutun. Die Platte als Ganzes ist eine so eloquente Parallele zu der Erfahrung, Beziehungen zu finden und zu pflegen, die ein Leben lang halten, sei es durch gemeinsame Intimität, rohe Geständnisse oder puren Individualismus. Es ist wie dieser eine Abend mit seinen Lieblingsmenschen, den man nie vergessen könnte, selbst wenn man es wollte.

Kevin Krein: Ich denke, eine ganz offensichtliche Erkenntnis ist, dass Boygenius wirklich nur funktioniert, weil die drei daran beteiligten Personen Raum für das gegenseitige Wachstum außerhalb des Projekts schaffen und sich gegenseitig unterstützen, so gut sie können. Eine „Supergruppe“ könnte aufgrund von Egos oder der Person, die außerhalb des Projekts „erfolgreicher“ ist, ziemlich leicht zusammenbrechen und brennen, aber dies ist ein großartiges Beispiel dafür, dass im wahrsten Sinne des Wortes nur drei Freunde Spaß haben und zusammen Musik machen, außerhalb dessen, was sie haben waren in der Lage, es selbst zu tun.

Beau Hayhoe: Diese LP ist eine prägende Aussage, der schon lange vor ihrer Veröffentlichung einiges gerecht werden musste – würde Boygenius nach dieser Tour und EP von 2018 jemals wieder auf Tour gehen, geschweige denn Aufnahmen machen? Und wie würde es klingen, wenn sie es täten? Ich denke, sie haben ein Statement abgegeben, dass sie, wenn sie wieder Lust dazu haben, mit Sicherheit eine bahnbrechende LP abliefern können, bei der jedes Mitglied individuell hervorstechen kann. Es liegt natürlich an ihnen, aber sie haben den Fans mehr geboten, als sie sich jemals hätten vorstellen können, selbst jetzt (mit einer bevorstehenden Sommertour!). Die Aussicht auf zukünftige Rekorde ist sicherlich spannend.

Es ist eine Hommage an die eigenen Stärken, es ist ein Beweis dafür, dass man andere um einen herum auf ihre eigene Weise strahlen lässt, und es ist eine schöne, nuancierte und emotional ergreifende Platte. Würden Sie weniger erwarten??

Kylie Gurewitz: Sei schwul, begehe Verbrechen. Nur ein Scherz. Aber ich denke, dass diese Platte eine weitaus positivere Botschaft an die Hörer vermittelt als auf der vorherigen EP oder sogar in den meisten Solowerken. In dieser Platte steckt eine Menge Hoffnung, Optimismus und Liebe.

Es gab auch eine Leichtigkeit in der Werbung für das Album, die wirklich Spaß macht. Natürlich weiß Boygenius, wer sie sind und wie gut sie sind, aber sie sind sich nicht zu schade, zum Beispiel bei der Gepäckausgabe eine Show zu spielen.

Josh Weiner: Der Rest der Jungs hier scheint zu wissen, wovon sie reden. Deshalb schließe ich mich ihren Interpretationen der Hauptbotschaft des Albums und der Gruppe an.

Oliver Crook : Dass Frauen unseren verdammten Respekt verdienen. Ich weiß, das mag sehr grundlegend sein – und zu diesem Meisterwerk wird noch mehr gesagt –, aber letztendlich möchte das Trio, dass wir das für jeden Ryan Adams, Pater John Misty und jeden anderen Mann wissen, den wir als „neuen Dylan“ bezeichnen, Baker , Bridgers und Dacus sind genauso talentiert und sollten im Gespräch sein. Dies sind drei wahnsinnig talentierte Musiker auf dem Höhepunkt ihrer Blütezeit, und sie stellen dieses besondere Talent durchweg zur Schau.

Sophie Severs: Ich betrachte dieses Projekt als Beweis für Kameradschaft und Freundschaft in einer Branche, in der es so oft zu einem harten Kampf kommt. Das Projekt selbst kommentiert nicht so sehr die Dynamik, mit der Frauen konfrontiert sind, sondern schafft ein Gemeinschaftsgefühl rund um die Emotionen, die mit diesen Erfahrungen einhergehen können.

„Es fühlt sich gut an, so gut bekannt zu sein / Ich kann mich nicht vor dir verstecken / Wie ich mich vor mir selbst verstecke“ aus „True Blue“ könnte leicht auf eine romantische Beziehung angewendet werden, aber ich interpretiere es als Kommentar zu bedingungsloser Freundschaft – vielleicht sogar die Freundschaft, die die drei Musiker untereinander teilen. Vor allem diesen Text interpretiere ich als die Art und Weise, wie Baker, Bridgers und Dacus Stellung beziehen. Es ist ein Klischee, aber es braucht wirklich ein Dorf, um Veränderungen herbeizuführen, und in diesem Fall ist es ein Dorf mit tief verwurzelten Freundschaften.

Kevin Krein: Ich denke, es liegt eine gewisse Ironie in dem Namen, der nach fünf Jahren, während die Mitglieder an ihrer jeweiligen Solokarriere arbeiteten, vielleicht etwas verloren gegangen ist. Wenn überhaupt, ist die Art des Vorgehens gegen Frauenfeindlichkeit in der Musikindustrie etwas, das nicht unbedingt in der Musik selbst, sondern vielmehr in den Menschen, die sie machen, nachhallt, wenn man etwas über ihre Persönlichkeit weiß.

Kylie Gurewitz:Ich glaube nicht, dass Boygenius die Absicht hatte, diese Ideen in der Musik anzusprechen, aber die Tatsache, dass es Boygenius gibt, ist definitiv eine Absage an die Idee, dass es in der Musik einen inhärenten Wettbewerb zwischen Frauen gibt.

Josh Weiner: Das kann ich nicht sagen – vielleicht wird dieses Konzept eher durch den Namen der Gruppe als durch den lyrischen Inhalt untermauert. Aber wir werden sehen, was ich, wenn überhaupt, bei weiterem Hören erkennen kann.

Nic Nichols : Ich stimme den anderen hier zu, da ich denke, dass die Gruppe selbst mehr zu diesen Themen spricht als die Platte, die meiner Meinung nach weit außerhalb dieser oben erwähnten toxischen Atmosphäre existiert. Die gegenseitige Unterstützung fühlt sich eher zurückhaltend und selbstantreibend als gezielt an.

Beau Hayhoe: Eines der Dinge, die ich an diesem Trio am meisten liebe (und ich denke, die Fans sind sich einig), ist, dass jedes Mitglied kein Problem damit hat, Stellung zu beziehen, eine Flagge in den Boden zu pflanzen und offen über Überzeugungen, Einstellungen, die Branche und die Art und Weise zu sprechen, wie sie diese bekämpfen Probleme. Ich denke, wenn überhaupt, bestätigt das Album diese Ideologie genau so stark, wie man es erwarten oder erhoffen könnte – Boygenius hat keine Angst davor, emotional oder tiefgründig zu werden, sie haben keine Angst davor, klanglich das Tempo zu erhöhen, und das haben sie auch nicht Ich habe die ganze Zeit Angst, es zu sagen, wie es ist.

Sie zeigen, dass die Branche zusammen besser ist, wenn Gleichgesinnte zusammenarbeiten und nicht gegeneinander (siehe letztes Jahr die Wild Hearts Tour mit Julien, Sharon Van Etten und Angel Olsen – ein Triumph!). Wenn man sich einige dieser Lieder anhört, sieht man, wie sie harmonisch singen und sich auch gegenseitig unterstützen. Würden Sie noch einmal weniger erwarten??

Oliver Crook : Diese Idee kommt nicht unbedingt textlich zum Ausdruck, sondern eher in der Existenz der Band und dem Album selbst. Allein die Existenz und Schaffung eines so wunderbaren Albums stellt alle unsere Ansichten über Frauen in der Musik in Frage und enthüllt die männliche Toxizität der Branche. Es ist eine starke Botschaft.

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